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Bob Dylan – Like a Rolling Stone

«Like a Rolling Stone» es una canción de 1965 del cantautor estadounidense Bob Dylan. Su letra reivindicativa proviene de un poema que Dylan escribió en junio de dicho año, cuando regresó extenuado de una gira agotadora por Inglaterra. Después de que se revisara la letra numerosas veces, «Like a Rolling Stone» se grabó unas pocas semanas después en parte de las sesiones para su siguiente álbum de estudio, Highway 61 Revisited.

Durante una preproducción difícil de dos días, Dylan luchó para hallar la esencia de la canción; se grabó un demo carente de éxito en compás de 3/4. Se hizo un avance cuando se intentó grabar en formato de rock y el músico de sesión novato Al Kooper improvisó el riff de órgano por el que la canción es conocida. Sin embargo, Columbia Records no estaba satisfecha con ella debido a sus seis minutos de duración y su sonido eléctrico y pesado, por lo que no estaba segura sobre su lanzamiento. Sólo cuando un mes después se filtró una copia del tema y disc jockeys influyentes la escucharon se puso a la venta como sencillo. Aunque las emisoras de radio eran reacias a transmitir una canción tan larga, «Like a Rolling Stone» alcanzó el segundo puesto en las listas de Estados Unidos y se convirtió en un éxito internacional.

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Se ha descrito el tema como revolucionario en su combinación de diferentes elementos musicales, el sonido jovial y cínico de la voz de Dylan y la asertividad de la pregunta del estribilloHow does it feel? («¿Qué se siente?»). «Like a Rolling Stone» transformó la carrera de Dylan y todavía se la considera una de las composiciones más influyentes en la música popular de la posguerra.

Desde su lanzamiento fue un hito tanto en la música como en la cultura popular que elevó la figura de Dylan hasta volverla icónica. Artistas variados como The Jimi Hendrix ExperienceThe Rolling StonesThe Wailers y Green Day realizaron versiones de la canción. En castellano, podemos encontrar la versión del grupo Mamá (Cómo lo ves) y por el grupo M-Clan (Sin Rumbo Y Sin Dirección). Además, la revista Rolling Stonela colocó en el número 1 de su lista de las «500 mejores canciones de todos los tiempos».


En la primavera de 1965, al regresar de la gira por Inglaterra documentada en la película Dont Look Back, Dylan estaba insatisfecho con las expectativas del público en cuanto a él, así como la dirección que su carrera estaba tomando; consideró seriamente retirarse del negocio de la música. En una entrevista de 1966 con Playboy comentó sus sentimientos: «La primavera pasada creía que iba a dejar de cantar. Estaba agotado y la dirección que estaban tomando las cosas, era una situación extenuante. Pero “Like a Rolling Stone” cambió todo. Digo, fue algo que yo mismo pude crear. Cansa mucho que otra gente diga todo lo que crea por ti si tú no creas por ti mismo».3​ Los cimientos de la canción provienen de un poema extenso. En 1966, Dylan describió los orígenes de «Like a Rolling Stone» al periodista Jules Siegel:

«Tenía diez páginas. No tenía título, [consistía en] unas rimas en un papel, todo sobre mi odio estable dirigido hacia algún punto que era honesto. Al final, no era odio, era decirle a alguien algo que no sabía, decirle que tenía suerte. Venganza, esa es una palabra mejor. Nunca había pensado en esto como una canción, hasta que un día estaba en el piano con el papel y cantando How does it feel? (“¿Cómo se siente?”) a cámara lenta, extremadamente lenta».

Durante 1965, Dylan escribió prosa, poemas y canciones tecleando incesantemente. Algunas fotografías de Dylan en su habitación en el Savoy Hotel de Londres capturan este proceso en Dont Look Back. Sin embargo, comentó en dos entrevistas que «Like a Rolling Stone» comenzó como un largo «vómito» (en una de ellas, mencionó diez páginas; en la otra, veinte) que luego cobró forma musical.​ Nunca había hablado así de alguna otra de sus grandes composiciones. En una entrevista con la radio CBC en Montreal, Dylan llamó a la creación del tema una «innovación» y explicó que cambió su percepción de hacia dónde estaba yendo con respecto a su carrera. Dijo que se encontró componiendo «este largo vómito de 20 páginas; de allí tomé “Like a Rolling Stone” y la hice un sencillo. Y nunca había escrito algo como eso antes y de pronto supe que eso debía hacer. Tras haber escrito eso no estaba interesado en escribir una novela o una obra de teatro. Ya tenía más que suficiente, quería componer canciones».

A partir de la versión extensa en papel, Dylan escribió cuatro estrofas y el estribillo en WoodstockNueva York.​ La canción se compuso en un piano vertical en la tonalidad de sol , aunque se cambió a do en guitarra durante la grabación.​ Dylan invitó a Mike Bloomfield, guitarrista principal de Paul Butterfield Blues Band, para que tocara en la sesión de grabación. Dylan le invitó a su casa de Woodstock un fin de semana para que viera el nuevo material; Bloomfield recordó más tarde: «Lo primero que escuché fue “Like a Rolling Stone”. Pensé que quería blues, cuerdas dobladas, porque eso es lo que hago. Dijo: “Hey, hombre, no quiero nada de esas cosas de B.B. King“. Así que, bueno, me desmoroné. ¿Qué rayos quiere? Dimos vueltas en torno a la canción. Toqué lo que él hizo y dijo que tenía groove».

Las sesiones de grabación fueron producidas por Tom Wilson entre el 15 y el 16 de junio de 1965 en el estudio A de Columbia Records, en el número 799 de la séptima avenida de la ciudad de Nueva York. Además de Bloomfield, los otros músicos que participaron fueron Paul Griffin en el pianoJoe Macho Jr. en el bajoBobby Gregg en la batería y Bruce Langhorbe en la pandereta; además, fue Wilson quien contrató a todos.​ Gregg y Griffin habían trabajado anteriormente con Dylan y Wilson en Bringing It All Back Home.

El primer día, se grabaron cinco tomas de la canción en estilos marcadamente diferentes al posterior lanzamiento del tema en compás de 3/4, con Dylan en el piano. La falta de partitura indica que la canción se tocó de oído. Sin embargo, la esencia del tema se descubrió en el transcurso de una sesión caótica. No se llegó al primer estribillo hasta la cuarta toma, pero tras la parte de armónica Dylan interrumpió, diciendo: «Mi voz se ha ido, hombre. ¿Quieres intentarlo de nuevo?». Esta toma se lanzó posteriormente en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991La sesión terminó poco después.

Cuando se retomaron las sesiones al día siguiente, 16 de junio, Al Kooper se unió al equipo. Se suponía que Kooper, en aquel entonces un guitarrista de sesión de 21 años, no tocaría, pero se encontraba presente como invitado de Wilson.​ Cuando Wilson salió, Kooper se sentó con su guitarra entre los otros músicos deseando tomar parte en la sesión. Cuando Wilson regresó, Kooper, intimidado por la forma de tocar la guitarra de Bloomfield, estaba de nuevo en la sala de control. Tras un par de tomas de prueba, Wilson cambió a Griffin del órgano Hammond al piano. Kooper luego acudió a Wilson para decirle que tenía un buen pasaje de órgano. Wilson menospreció el talento de Kooper para tocar dicho instrumento, pero el guitarrista afirmó más tarde: «Simplemente como que se burlaba de mí. […] No dijo “no”, así que fui para allá». Wilson, aunque sorprendido de ver a Kooper tocando el órgano, dejó que tocase en el tema. Tras escuchar una reproducción de la canción, Dylan insistió en que el órgano debía sonar más fuerte en la mezcla, pese a las objeciones de Wilson en que Kooper «no era un organista».

En esta sesión se grabaron quince tomas.​ En ese momento, la canción ya poseía su formato familiar, en compás de 4/4 y Dylan en la guitarra eléctrica. Tras la cuarta toma, que fue la que finalmente se puso a la venta como sencillo, Wilson comentó: «Esto suena bien, para mí».​ No obstante, Dylan y la banda grabaron la canción once veces más.


Lanzamiento

Según Shaun Considine, quien coordinaba los lanzamientos de Columbia Records en 1965, «Like a Rolling Stone» se relegó al principio al «cementerio de los lanzamientos cancelados» debido a las preocupaciones de los departamentos de ventas y mercadotecnia en cuanto a su duración sin precedentes de seis minutos y su sonido de rock «estridente». En los días sucesivos al rechazo, Considine llevó una versión descartada de la canción a una discoteca llamada Arthur, abierta en forma reciente y concurrida por celebridades y gente de la industria musical.​ Debido a la insistencia de la multitud, se reprodujo el demo una y otra vez, hasta que finalmente se desgastó. A la mañana siguiente, un disc jockey y director de programación de las cuarenta principales estaciones de radio de la ciudad llamó a Columbia Records y le pidió copias. Poco después, el 20 de julio de 1965, «Like a Rolling Stone» se publicó como sencillo, con «Gates of Eden» como lado B.

Pese a su duración, la canción se convirtió en el mayor éxito de Dylan hasta la fecha y permaneció en las listas estadounidenses durante doce semanas, además de llegar al segundo puesto, sólo superado por «Help!» de la banda británica The Beatles. Las copias promocionales entregadas a los disc jockeys el 15 de julio tenían las dos primeras estrofas y dos estribillos en uno de sus lados, mientras que el resto de la canción estaba ubicado en el reverso, por lo que quien quisiera reproducir la canción en su totalidad debía voltear el disco de vinilo.​ Mientras que muchas emisoras de radio eran reacias a transmitir el tema entero, la demanda pública obligó posteriormente a reproducirlo de este modo. Esto ayudó al sencillo a llegar a su posición máxima en el segundo lugar varias semanas tras su puesta a la venta.​ Ingresó al top 10 en otros países, entre los que se cuentan CanadáIrlandaPaíses Bajos y el Reino Unido.


Temática

A diferencia de los éxitos de las listas de aquel entonces, la letra de «Like a Rolling Stone» no es acerca del amor, sino que expresa resentimiento y un clamor de venganza.​ El escritor Oliver Trager la describió como «la burla de Dylan hacia una mujer que ha caído en desgracia y se ve reducida a defenderse en un mundo hostil, no familiar».​ Hasta ahora, la persona a quien se dirige la canción, Miss Lonely («Señorita Solitaria»), había tenido una vida fácil, había asistido a las mejores escuelas y tenía amigos de alto nivel social, pero ahora que su situación se vuelve difícil, no tiene experiencias significativas en las que pueda basar su carácter. Los primeros versos de la canción establecen las condiciones iniciales de la mujer:

Once upon a time you dressed so fine
Threw the bums a dime in your prime, didn’t you?
«Hace tiempo, vestías tan bien
Tirabas centavos a los pobres en tu mejor época, ¿no?»

La primera estrofa acaba con versos que resaltan su situación en ese momento:

Now you don’t talk so loud
Now you don’t seem so proud
About having to be scrounging your next meal
«Ahora ya no hablas tan alto
Ahora ya no pareces tan orgullosa
De tener que estar mendigando tu próxima comida».

Pese a la hostilidad, la canción también muestra compasión por Miss Lonely, como así alegría en la libertad que conlleva haber perdido todo.​ Jann Wenner comentó que «se ha eliminado todo. Estás solo, eres libre ahora. Estás tan impotente que ahora no te queda nada más. Y eres invisible —no tienes secretos—, eso es tan liberador. No tienes que temer nada más».​ La última estrofa termina con los versos:

When you ain’t got nothing, you got nothing to lose
You’re invisible now, you got no secrets to conceal
«Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder
Eres invisible ahora, no tienes secretos que ocultar».

El estribillo hace énfasis en esta temática:

How does it feel
How does it feel
To be on your own
With no direction home
Like a complete unknown
Like a rolling stone
«¿Cómo se siente?
¿Cómo se siente?
Estar sola
Sin rumbo de vuelta a casa
Como una completa desconocida
Como una trotamundos».

El biógrafo de Dylan Robert Shelton resumió el significado del tema y la describió como «una canción que parece resumir la vida arrojada de los que pueden sentir compasión por los que han sido expulsados de la burguesía. “Like a Rolling Stone” trata sobre la pérdida de la inocencia y la crudeza de la experiencia. Los mitos, los patrones y las viejas creencias se desmoronan para revelar una realidad muy difícil».​ En tono humorístico, Dylan comentó la perspectiva moral de «Like a Rolling Stone» en una conferencia de prensa en un estudio de la cadena televisiva KQED el 3 de diciembre de 1965. Un periodista sugirió al artista que la canción tiene una opinión dura sobre una chica y preguntó: «¿Quieres cambiar sus vidas? ¿O quieres señalar sus errores?» Riendo, Dylan contestó: «Quiero sacarlos de quicio».

Algunos comentaristas han tratado de localizar los personajes del tema en personas específicas del círculo de Dylan en 1965. En su libro POPism: The Warhol ’60sAndy Warhol recordó que ciertas personas de su círculo opinaban que «Like a Rolling Stone» contenía referencias hacia el cineasta; se le dijo: «Escucha “Like a Rolling Stone”: creo que eres el diplomático en el caballo de cromo, hombre».​ Se supone que la razón de esta hostilidad de Dylan hacia Warhol fue el tratamiento de este último hacia la actriz y modelo Edie Sedgwick. También se sugirió que en Sedgwick se basa el personaje principal de la canción, Miss Lonely.​ La actriz estuvo relacionada por poco tiempo con Dylan a fines de 1965 y principios de 1966 y en ese tiempo pensaban filmar una película juntos.​ Según el colaborador de Warhol Paul Morrissey, Sedgwick había estado enamorada de Dylan y se sorprendió cuando descubrió que el cantante se había casado secretamente con Sara Lownds en noviembre de 1965.​ Sin embargo, en The Bob Dylan Encyclopedia Michael Gray sostiene que Sedgwick no tenía relación con «Like a Rolling Stone», pero afirma que «no hay duda de que el fantasma de Edie Sedgwick flota sobre Blonde on Blonde».

El escritor estadounidense Greil Marcus aludió a una opinión del historiador del arte Thomas Crow, que consistía en la idea de que Dylan había compuesto la canción como comentario a una escena de Warhol: «Escuché una lectura de Thomas Crow acerca de que “Like a Rolling Stone” trata sobre Edie Sedgwick dentro del círculo de Andy Warhol; como si Dylan hubiera visto desde afuera [lo que pasaba] sin involucrarse personalmente con ninguno de los dos, sino como algo que vio y lo asustó, vio el desastre avecinándose y compuso una canción como advertencia; fue convincente». También se sugirió que Joan BaezMarianne Faithfull y Bob Neuwirth podrían haber sido objeto del desprecio de Dylan.

​ El biógrafo de Dylan Howard Sounes advirtió que no se debe reducir el tema a la biografía de una sola persona y sugirió que «es más probable que la canción apuntara a quienes [Dylan] percibía como “falsos”». Sounes agregó que «hay cierta ironía en el hecho de que una de las canciones más famosas de la época del folk rock —una época asociada principalmente con ideales de paz y armonía— sea una sobre la venganza».

Mike Marqusee escribió numeroso material sobre los conflictos de la vida de Dylan en este período, entre los que se destacan su alejamiento de su viejo público del resurgimiento del folk y sus causas de marcado corte izquierdista. Sugiere que el tema es probablemente auto referencial y comentó: «La canción adquiere plena intensidad cuando uno cae en la cuenta de que está dirigida, al menos en parte, al mismo cantante: es quien no tiene “la dirección de casa”».​ Dylan mismo recalcó que tras su accidente en motocicleta de 1966 tomó conciencia de que «cuando usaba palabras como “él”, “esto” y “ellos” y estaba hablando de otras personas, en realidad estaba hablando de mí».


Interpretaciones en directo

Dylan tocó «Like a Rolling Stone» en directo por primera vez cinco días después de su lanzamiento, en el Festival de Folk de Newport el 25 de julio de 1965.​ Según Jonathan Taplin, uno de los encargados del festival, la decisión de hacer su segundo set eléctrico se debió a ciertos comentarios condescendientes hechos por el organizador Alan Lomax acerca del grupo de blues The Paul Butterfield Blues Band. Al parecer, esto molestó a Dylan, que adoptó una actitud de «bueno, que les jodan si creen que pueden dejar la música eléctrica fuera de aquí. Lo haré yo mismo». Esa misma noche reunió y ensayó con el grupo de Paul Butterfield, entre ellos dos de los músicos que habían grabado el sencillo, Mike Bloomfield y Al Kooper, con la adición de Jerome Arnold al bajoSam Lay en la batería y Barry Goldberg al piano.

Muchos entusiastas del folk en el público se mostraron contrarios al uso de instrumentos eléctricos en el festival, despreciando el rock and roll que, en palabras de Boomfield, era visto como popular entre «rebeldes, antisistema y juerguistas; gente que se emborracha y baila». Según el amigo de Dylan y crítico musical Paul Nelson, «el público [estaba] abucheando y gritando “deshazte de la guitarra eléctrica”», mientras que Dylan y sus músicos hacían una interpretación algo vacilante de su nuevo sencillo.​ Una grabación completa en video puede encontrarse en el documental The Other Side of the Mirror.

Highway 61 Revisited se lanzó a finales de agosto de 1965. Cuando Dylan salió de gira ese otoño, «Like a Rolling Stone» ocupó el lugar de cierre en su programa y la tocó, con pocas excepciones, hasta el final de su gira mundial de 1966. El 17 de mayo de dicho año, durante el último segmento de la gira, Dylan y su banda tocaron en el Free Trade Hall de MánchesterInglaterra. Poco antes de que empezaran a tocar el tema, alguien entre el público gritó «¡Judas!», en referencia a la supuesta traición de Dylan a la escena folk. El cantante contestó: «No te creo, ¡eres un mentiroso!». Tras esto, se dirigió a la banda y les dijo: «Tocadla jodidamente fuerte».​ Esta versión puede escucharse en The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The “Royal Albert Hall” Concert y en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack, y verse en el documental de Martin Scorsese No Direction Home.

Desde entonces, «Like a Rolling Stone» permaneció constante en los conciertos de Dylan, frecuentemente con arreglos diferentes.​ Se incluyó en su concierto del 31 de agosto de 1969 en la Isla de Wight (grabación publicada en el álbum Self Portrait), en su gira junto a The Band en 1974 (interpretación del 13 de febrero publicada en Before the Flood) y en la gira Rolling Thunder Revue de 1975 a 1976. La canción siguió presente en otras giras a lo largo de las décadas de 1970 y 1980. En la gira Never Ending Tour, que comenzó en 1988, «Like a Rolling Stone» fue una de las cinco canciones más tocadas, con 653 interpretaciones registradas hasta el año 2005.

Además de en Highway 61 Revisited, el tema puede encontrarse en cuatro álbumes oficiales: Bob Dylan’s Greatest HitsBiographThe Essential Bob Dylan y Dylan. Además, la versión del tema en compás de 3/4 se puede encontrar en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991. Otras interpretaciones en directo del tema se encuentran en Bob Dylan at BudokanMTV Unplugged y en el disco de The Band Rock of Ages.


Legado

El sonido de la canción fue revolucionario en su combinación de pasajes de guitarra eléctrica, acordes de órgano y la voz de Dylan, jovial y a la vez burlonamente cínica.​ El crítico Michael Gray la describió como «una amalgama caótica de bluesimpresionismoalegoría y una asertividad intensa en el estribillo principal: How does it feel? (“¿Cómo se siente?”)». El tema tuvo un impacto enorme en la cultura popular y en la música rock. Su éxito hizo de Dylan un ícono pop, como Paul Williams resalta:

«Dylan había sido famoso, había sido el centro de atención durante mucho tiempo. Pero ahora la cuota estaba subiendo otra vez. Se convirtió en una estrella del pop, como así en una estrella del folk […] y fue, más que The Beatles, un símbolo público de los grandes cambios generacionales en la cultura y la política que estaban teniendo lugar en los Estados Unidos y en Europa. Se lo percibió y funcionó de muchas formas como un líder».

El productor discográfico Paul Rotchild, quien produjo los cinco primeros álbumes de The Doors, recordó el júbilo que le ocasionó el hecho de que un músico estadounidense hiciera una canción que desafiara con éxito la primacía de los grupos de la invasión británica. Comentó: «De lo que tomé conciencia cuando estaba sentado allí fue que uno de Estados Unidos —uno de los llamados inconformistas de Greenwich Village— estaba haciendo música que podía competir con ellos —The Beatles, The [Rolling] Stones y The Dave Clark Five— sin sacrificar la integridad de la música folk ni el poder del rock and roll».

La canción tuvo un impacto enorme en Bruce Springsteen, que tenía quince años la primera vez que la escuchó. Springsteen describió este momento en su discurso de introducción a Dylan en el Salón de la Fama del Rock en 1988 y también analizó el sentido de «Like a Rolling Stone»:

«La primera vez que escuché a Bob Dylan estaba en el auto con mi madre escuchando WMCA y luego siguió aquel golpe de caja que sonó como si alguien hubiera abierto la puerta de tu mente de una patada. De la forma en que Elvis libera tu cuerpo, Dylan libera tu mente y nos demostró que porque la música es física, eso no quiere decir que sea antiintelectual. Tenía la visión y el talento para componer una canción de pop de forma que contuviera el mundo entero. Inventó una nueva forma en que un cantante de pop pudiera sonar, traspasó las limitaciones de lo que una canción podía alcanzar y cambió la cara del rock and roll para siempre».

Los contemporáneos de Dylan en 1965 se sorprendieron y se vieron desafiados por el sencillo. Paul McCartney recordó haber ido a la casa de John Lennon en Weybridge para escuchar la canción. Según el bajista: «Parecía durar para siempre. Era simplemente hermosa. Nos mostró a todos que era posible ir un poquito más lejos».​ Frank Zappa tuvo una reacción más extrema: «Cuando escuché “Like a Rolling Stone” quise dejar el negocio de la música porque sentí: “Si esto triunfa y hace lo que se supone que debe hacer, no necesito hacer nada más…”. Pero no hizo nada. Se vendió, pero nadie respondió [a la canción] como debería haber hecho».​ Cerca de cuarenta años más tarde, en 2003, Elvis Costello recalcó la calidad innovadora del sencillo: «Qué cosa sorprendente [debe ser] vivir en un mundo donde estaba Manfred MannThe Supremes y Engelbert Humperdinck; luego viene “Like a Rolling Stone”».

Aunque CBS intentó hacer la canción más apta para la radio cortándola por la mitad y distribuyéndola en ambos lados de los discos de vinilo, Dylan y sus fans demandaron que la canción entera se colocara de un solo lado y que las radios la transmitieran en su totalidad. El posterior éxito de «Like a Rolling Stone» tuvo un papel importante en cambiar la convención del negocio de la música que se apoyaba en que los sencillos debían tener menos de tres minutos de duración. El elenco surrealista de personajes y el ingenio verbal de Dylan también representaron una innovación en los sencillos del top 10.​ Según las palabras de Rolling Stone: «Ninguna otra canción de pop ha desafiado y transformado tan profundamente las convenciones comerciales y artísticas de su tiempo para siempre».

En 1966, Dylan dijo a Ralph Gleason: «”Rolling Stone” es la mejor canción que compuse».​ En 2004, hablando con Robert Hilburn, Dylan consideró que todavía la canción tenía un lugar especial en su trabajo: «Es como si un fantasma compone una canción como esa, te la da y desaparece. No sabes qué significa, excepto que el fantasma me eligió para que componga la canción».

Más de cuarenta años desde su lanzamiento, «Like a Rolling Stone» sigue siendo considerada en las encuestas de críticos y otros compositores. El sitio agregador de listas Acclaimed Music establece que se trata del tema más aclamado por los críticos de todos los tiempos.​ Una lista de 2002 elaborada por Uncut y una encuesta de 2005 de Mojo ubicaron el tema de Dylan en el primer puesto.

​ En cuanto a su punto de vista con respecto a dichas encuestas, Dylan dijo a Ed Bradley en una entrevista de 2004 para 60 Minutes que nunca les presta atención porque cambian con frecuencia. En la encuesta sobre las cien mejores canciones de todos los tiempos, llevada a cabo por Mojo en 2000, se incluyeron dos sencillos de Dylan; no así «Like a Rolling Stone». Cinco años más tarde, la revista la nombró su canción número uno.​ Rolling Stone eligió el tema como el segundo mejor sencillo de los últimos veinticinco años en 1989 y en 2004 la ubicó en el primer puesto de su lista de las quinientas mejores canciones de todos los tiempos.


Versiones de otros artistas

El guitarrista Jimi Hendrix realizó una versión de la canción en directo junto a su banda The Jimi Hendrix Experience.

Hendrix fue un gran fan de Bob Dylan y le gustaba especialmente «Like a Rolling Stone». Al respecto, comentó: «Me hizo sentir que no era el único que se sentía tan deprimido».​ Tras la segunda estrofa, el guitarrista pasó a la cuarta. Tocó la guitarra eléctrica y el crítico Greil Marcus describió la atmósfera de la versión de Hendrix:

«Acordes tremendos aparecían en el comienzo de cada frase como nubes de tormenta; la melodía se toca muy lenta [y] el acento pesado y callejero de Hendrix no sonaba como la tormenta de polvo del medio oeste de Dylan».


Numerosos artistas han realizado versiones de «Like a Rolling Stone», entre los que se incluyen Johnny ThundersThe Four SeasonsThe RascalsJudy CollinsJohnny WinterCherThe Rolling StonesMick Ronson con David BowieSpiritMichael BoltonThe CreationDavid GilmourJohn Mellencamp,​ The Wailers y Green Day

También se realizaron versiones de la canción en varios idiomas. Hugues Aufray realizó una versión en francés llamada «Comme des pierres qui roulent», dentro de su álbum de 1995 Aufray Trans Dylan.​

El cantautor austríaco Wolfgang Ambros incluyó una versión en un dialecto austríaco-germano llamada «Allan Wia a Stan» en su álbum de 1978 Wie Im Schlaf, que permaneció en la octava posición en las listas austríacas por ocho semanas.​

La banda alemana Bap creó una versión en kölsch del tema, conocida como «Wie ‘ne Stein» para su álbum Vun drinne noh drusse y Lars Winnerbäck interpretó la canción bajo el título en sueco «Som en hemlös själ», literalmente «Como un alma sin hogar».

 Articolo 31 grabó una versión italiana titulada «Come una pietra scalciata» (literalmente, «Como una piedra pateada») para su álbum en 1998 Nessuno.

 La versión de esta banda tiene un estilo basado en el hip hop y contiene sobre grabaciones de una voz de mujer confundida, partes de rap y turntablism. Por otra parte, sólo posee tres estrofas y cuatro minutos y medio de duración.


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The Beatles – Yesterday

«Yesterday» es una canción compuesta por Paul McCartney, grabada en 1965 para el álbum Help!, de The Beatles. Es la que más transmisiones radiales ha tenido en todo el mundo, con más de seis millones de emisiones en los Estados Unidos.​ También és la canción más versionada en la historia de la música popular con unas 1600 interpretaciones  de las versiones más conocidas resalta la que hizo Elvis Presley. La Broadcast Music, Inc. (BMI) afirma que en el siglo XX, fue interpretada cerca de siete millones de veces.

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Es una balada melancólica de dos minutos y tres segundos. Fue la primera composición oficial de The Beatles donde un solo integrante de la banda grababa un tema: Paul McCartney, que fue acompañado por un cuarteto de cuerdas. La composición se diferencia de los trabajos anteriores del grupo, por lo que el resto de los integrantes no aceptaron que se editara como sencillo en el Reino Unido.

En 2002, McCartney preguntó a Yoko Ono si podía invertir los créditos de la composición, de tal manera que se leyera “McCartney/Lennon”. Ono se negó.


De acuerdo con los biógrafos de McCartney y The Beatles, McCartney compuso la melodía completa en un sueño que tuvo en la casa de su novia Jane Asher y su familia en Londres, en la calle Wimpole.​ Al despertarse, fue al piano, puso en funcionamiento una grabadora de cintas y la tocó, para no olvidarla junto con su sueño.​ Al principio, temió haber plagiado una composición existente:

“Durante cerca de un mes fui a ver gente del negocio de la música, preguntándoles si conocían esa melodía. Fue como si hubiera encontrado algo que debía entregar a la policía. Pensé que si en unas semanas nadie la reclamaba entonces sería mía”.

Después de convencerse de que no había tomado la melodía de otra composición, McCartney empezó a hacerse cargo de la letra que la acompañaría. Tenía el título “Scrambled Eggs” (en español: “Huevos revueltos”), mientras encontraba la letra y un título más adecuado. En su biografía, Many Years From Now, McCartney dijo:

“Lo primero que hice con la melodía fue verificar si no tenía dueño, y la gente me dijo: ‘No, es encantadora, y estoy seguro de que es toda tuya’. Me tomó un poco de tiempo asegurarme que no pertenecía a alguien, pero como un buen buscador, finalmente la reclamé como mía; al principio no sabía qué letra adaptarle. Solía llamarla “Huevos revueltos”.

Durante el rodaje de la película Help, se colocó un piano en uno de los estudios en donde se filmaba. McCartney aprovechó para cantar “Scrambled Eggs” acompañándose con el piano. Richard Lester, el director de la película, se irritó mucho al oírla por lo que le dijo a McCartney que terminara de escribir la canción o se llevaría el piano. La paciencia de los otros Beatles también llegó al límite por el empeño que ponía McCartney para progresar en la canción, George Harrison dijo al respecto: “¡Caray, él siempre estaba hablando sobre esta canción. Se podría pensar que era Beethoven o alguien parecido!”.

McCartney afirmó haber compuesto «Yesterday» durante los conciertos de The Beatles en Francia en 1964; sin embargo, la canción no fue lanzada hasta el verano de 1965. Durante ese lapso el grupo publicó dos discos, A Hard Day’s Night y Beatles for Sale, por lo que en cualquiera de ellos pudo haberse incluido la canción «Yesterday». Aunque McCartney no ha comentado nunca lo que pasó, es probable que la razón de este largo retraso pudiera haber sido un hipotético desacuerdo entre McCartney y George Martin respecto al arreglo de la canción, o pudo deberse al rechazo de los otros miembros del grupo.

Lennon comentó que el tema estuvo yendo y viniendo durante algún tiempo:

“La canción estuvo en todos lados varios meses antes de que estuviera lista. Cada vez que nos reuníamos para escribir canciones destinadas a una sesión de grabación, reaparecía una vez más. Ya casi la teníamos lista. Paul escribió casi toda la letra, pero no encontrábamos el título adecuado. La llamamos ‘Huevos revueltos’, a modo de broma entre nosotros. Decidimos que el título solo debía tener una palabra, pero no encontrábamos ninguna adecuada. Una mañana, Paul se levantó, completó la letra y encontró el título. Me entristeció un poco haberla terminado, porque tuvimos muchos momentos divertidos a su costa”.

El 27 de mayo de 1965, McCartney y Asher viajaron a Lisboa para pasar unas vacaciones en AlbufeiraAlgarve, y fue ahí donde McCartney terminó de escribir la letra de la canción.​ Ambos se hospedaban en la casa de Bruce Welch, y McCartney tomó prestada una de sus guitarras acústicas, para así completar el trabajo de «Yesterday».

La canción fue ofrecida como un demo a Chris Farlowe antes de la grabación de The Beatles, pero él la rechazó ya que la consideraba “demasiado suave”.


Estructura musical

McCartney sólo toca una guitarra sajona acompañado por un cuarteto de cuerdas.​ En uno de los primeros usos de The Beatles de los músicos de sesión, «Yesterday» cuenta con dos secciones contrastantes, que difieren en la melodía y el ritmo, produciendo una sensación de separación.

La primera sección (“Yesterday, all my troubles seemed so far away…”) abre con un acorde en Fa mayor, cambia a Mi menor para finalizar en La mayor y finalizar en Re menor.​ En este sentido, el acorde de apertura es un cimbel, como el musicólogo Alan Pollack señala, la tonalidad de inicio (Fa mayor) tiene poco tiempo para establecerse antes de que “tome dirección hacia Re menor”.​ Señala que esta desviación es un recurso de composición utilizado por Lennon y McCartney, que él describe como “gratificación diferida”.

La segunda sección (“Why she had to go I don’t know…”) es, según Pollack, menos sorprendente de lo que parece en el papel del sonido. Comenzando con Mi menor, la progresión armónica se mueve rápido a través de La mayor, Re menor, y (más cercano a Fa mayor) Si bemol, antes de volver a Fa mayor, y al final de este, McCartney se mantiene en Fa mientras que las cuerdas descienden para restablecer la tonalidad introductoria de la primera sección, antes de una breve frase de cierre tarareada.

Pollack dijo que la orquestación era “realmente una inspiración”, la mencionó como un ejemplo del “talento [de Lennon y McCartney] para crear híbridos estilísticos”;​ en particular, elogia “la irónica tensión entre el contenido sensiblero de lo que el cuarteto interpreta y la naturaleza austera y contenida del medio en el que se interpreta”.


Grabación

La canción fue grabada en los estudios de grabación de EMI (después de la grabación de “I’m Down“) el 14 de junio de 1965.​ Hay versiones contradictorias sobre cómo fue esa grabación; la más citada es que McCartney grabó la canción sin la participación de los otros miembros del grupo.

Otras fuentes afirman que en un principio McCartney y los Beatles probaron una gran variedad de instrumentos, incluyendo la batería y un órgano, y que más tarde George Martin los convenció para que McCartney solo tocara una guitarra sajona, e incluir un cuarteto de cuerdas para acompañar a McCartney. De todos modos, ninguno de los otros miembros fue incluido en la grabación final.​ Sin embargo, la canción fue tocada con los demás miembros de la banda en sus conciertos de 1966.

McCartney hizo dos tomas de «Yesterday», el 14 de junio de 1965.​ La toma dos se consideró la mejor y fue utilizada para la masterización final. Un cuarteto de cuerdas fue añadido en la toma dos y esta versión de la canción fue la publicada. La toma uno, que no contiene ninguna mezcla, más tarde fue lanzada en el álbum recopilatorio Anthology 2. En la toma dos se incorporaron dos líneas más que en la primera toma: “There’s a shadow hanging over me”/”I’m not half the man I used to be”.

George Martin dijo:

“Esta [Yesterday] no era en realidad una grabación de The Beatles y yo discutía eso con Brian Epstein: ‘Ya sabes, esa es una canción de Paul… ¿la acreditamos únicamente a Paul McCartney?’ Él dijo ‘No, sea lo que sea nosotros no dividiremos a The Beatles’.”


Personal


Lanzamiento

Aunque McCartney había quedado fascinado con la canción, no pudo convencer a los demás integrantes de la banda para que pudiera aparecer en un álbum, ya que la canción no correspondía con su imagen, considerando que tenía muy poco parecido con las demás canciones del grupo en ese momento. Este parecer fue tan fuerte que Lennon, Harrison y Starr no permitieron que «Yesterday» se publicara como sencillo en el Reino Unido. Esto no evitó que Matt Monro hiciera una versión del tema, siendo este el primero de muchas otras versiones de «Yesterday», las cuales se harían tiempo más tarde. La versión de Monro apareció entre los diez primeros lugares en las listas inglesas, poco después de su lanzamiento en el otoño de 1965.

La influencia de The Beatles sobre su sello discográfico en Estados Unidos, Capitol, no fue tan fuerte como con la británica de EMIParlophone. Un sencillo fue lanzado en los EE. UU., el cual incluía a «Yesterday» y «Act Naturally», un tema que contaba con Starr en la voz principal. El sencillo fue lanzado el 29 de septiembre de 1965, y encabezó las listas durante todo un mes, comenzando el 9 de octubre. La canción permaneció durante un total de 11 semanas en las listas estadounidenses, vendió un millón de copias en cinco semanas. «Yesterday» fue la más tocada en la radio americana durante ocho años consecutivos, por lo que su popularidad era innegable.

El 4 de marzo de 1966, la canción «Yesterday» fue lanzada como un EP en el Reino Unido, junto con “Act Naturally” en el lado A y “You Like Me Too Much” y “It’s Only Love” en el lado B. Hacia el 12 de marzo, el EP había hecho su aparición en las listas. El 26 de marzo de 1966, el EP llegó al número uno, posición en la que permaneció durante dos meses.​ Más tarde ese año, «Yesterday» fue incluida en el álbum de lanzamiento estadounidense Yesterday and Today.

El 8 de marzo de 1976, fue lanzada por Parlophone como un sencillo en el Reino Unido, con “I Should Have Known Better” en el lado B. Apareció en las listas de éxitos el 13 de marzo y permaneció durante siete semanas, pero no alcanzó un número superior al 8. El lanzamiento fue producto de la expiración del contrato de The Beatles con EMI, sello discográfico al que pertenecía Parlophone. EMI lanzó varios sencillos de The Beatles, llevando a 23 de ellos al top 100 de las listas de Reino Unido, incluyendo seis en el top 50.


Recepción

«Yesterday» ha sido reconocida como la canción con más grabaciones en la historia de la música popular, y su entrada en el Libro Guinness de los récords afirma que ha sido versionada más de 3200 veces, por una ecléctica mezcla de artistas como Marianne Faithfull,

En los premios Grammy de 2006, McCartney tocó la canción en vivo como un mashup con la canción de Linkin Park y Jay-Z “Numb/Encore”.


«Yesterday» ganó el Premio Ivor Novello por ‘Mejor Canción de 1965’, y ocupó el segundo lugar por ‘El trabajo con más actuaciones del año’, perdiendo contra otra composición de McCartney, «Michelle». La canción ha recibido una justa aclamación en los últimos tiempos. Así, ocupa el puesto número 13 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

En 1999, la Broadcast Music Incorporated (BMI) colocó a «Yesterday» en la tercera posición en su lista de las canciones más interpretadas del siglo XX en radio y televisión, con aproximadamente siete millones de actuaciones. «Yesterday» fue superada sólo por “Never My Love” de The Association y “You’ve Lost That Lovin’ Feelin’” de Righteous Brothers. En 1999, «Yesterday» fue elegida como la mejor canción del siglo XX en una encuesta realizada por la BBC Radio.

«Yesterday», sin embargo, también ha sido criticada por ser mundana y empalagosa. Bob Dylan tuvo una marcada aversión por la canción, afirmando que “si usted entra en la Biblioteca del Congreso, puede encontrar algo mucho mejor que eso. Hay millones de canciones como ‘Yesterday’ y ‘Michelle’ escritas en Tin Pan Alley‘”. Irónicamente, en última instancia, Dylan grabó su propia versión de «Yesterday» cuatro años más tarde, pero esta versión nunca fue publicada.

En 1980 Lennon explicó que a menudo se le daba erróneamente el mérito de haber escrito la canción.

“Voy a los restaurantes y los grupos siempre están interpretando «Yesterday». Inclusive, Yoko y yo autografiamos el violín de un tipo en España, después de que él tocara «Yesterday». No podía entender [el tipo] que yo no escribí la canción. Pero supongo que él no hubiera podido ir de mesa en mesa tocando ‘I Am The Walrus‘.”


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Rave On – Buddy Holly and The Crickets

«Rave On» es una canción escrita por Sonny West, Bill Tilghman y el productor musical Norman Petty. Esta canción fue grabada por Sonny West y editada en febrero de 1958 por Atlantic Records 45-1174.​ Más tarde fue grabada por Buddy Holly siendo uno de sus últimos éxitos en vida. Esta canción se encuentra en el puesto n.º 154 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

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La versión de “Rave On” por Buddy Holly, es la más famosa de todas.

Cuando Buddy y The Crickets estaban en Nueva York en enero de 1958, eran días muy ocupados para ellos. Entonces junto al productor de Holly, Norman Petty volaron hacia Clovis para una sesión de grabación el 25 de enero de 1958, esa sesión empezó de 8 PM hasta las 2 AM, en Sound Studios. Buddy Holly, el grupo The Crickets y Norman Petty grabaron esta canción y “That’s My Desire”, en los estudios de Coral Records.


Lanzamientos

La grabación de “Rave On”, de Buddy Holly, fue lanzada en sencillo en el año 1958 por la discográfica Coral Records con el número de catálogo 61985, junto a “Take Your Time” como lado B. Este sencillo cayó al puesto n.º 37 en los Estados Unidos, pero en el Reino Unido fue un éxito, llegando al puesto n.º 5.

El 20 de febrero de 1958, Holly publica su primer álbum solista titulado simplemente Buddy Holly, e incluye la grabación de esta canción.

En 1958, Coral Records editó el EP Rave On, con las canciones “Rave On”, “Take Your Time”, “Early in the Morning” y “Now We’re One”, fue catalogado como 2005. Este EP fracaso en los Estados Unidos, debido a que el formato EP nunca fue popular en ese país, sin embargo en el Reino Unido fue bastante exitoso y llegó hasta el puesto n.º 9.5

Mucho más tarde en 1968, fue publicada de nuevo en sencillo, pero esta vez junto a “Early in the Morning” como lado B, nuevamente por Coral y catalogado 62554, pero esta versión no alcanzó ninguna lista.


Versiones

Los Milos, el primer grupo de Bruno Lomas, hizo una versión en 1961 con el título de “Estoy chispa” en el EP “Pitàgoras”. 

Bruce Springsteen grabó su propia versión de “Rave On”, con E Street BandCommander CodyStatus Quo y la banda de folk-rock Steeleye Span.

La grabación hecha por la banda The Delta Cross, en 1980, fue un éxito.

 Joe Meek produjo su propia versión con el cantante Michael Cox, dicha versión se publicó en 1964. 

John Mellencamp grabó una versión de esta canción para la película Cocktail de 1988. 

The Real Kids grabaron su propia versión para su álbum titulado igual forma. 

Nitty Gritty Dirt Band grabó su versión de esta canción y apareció en su álbum Uncle Charlie & His Dog Teddy de 1970. 

M. Ward grabó esta canción y se puede escuchar en su álbum Hold Time de 2009.


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Toto – I’ll Be Over You

” I’ll Be Over You ” es un single de éxito de la banda de rock estadounidense Toto . Lanzada como el primer sencillo de su álbum de 1986, Fahrenheit , la canción alcanzó el número once en el Billboard Hot 100 en 1986. Las voces principales fueron cantadas por el guitarrista Steve Lukather , quien coescribió la canción con el exitoso compositor Randy Goodrum (uno de varios colaboraciones entre los dos). El músico invitado Michael McDonald proporcionó el contrapunto vocal en la grabación.

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“I’ll Be Over You” pasó dos semanas en el número uno en la lista de adultos contemporáneos , la segunda canción de Toto para encabezar esta tabla (luego de ” I Won’t Hold You Back ” de 1983 ). 


Lukather explicó la letra de la canción: “Lo que la canción básicamente dice es que el chico rompió con una chica, y se dio cuenta de que nunca debería haber terminado con esta chica, y todavía está profundamente enamorado de ella. Algo así como una advertencia para la gente, como, nunca se sabe lo bueno que la tienes hasta que ya no la tienes “. 


Video musical 

Un video musical (en el que también aparece el vocalista invitado McDonald) fue filmado con la banda tocando en un apartamento en la azotea hasta que llovió. La azotea está en la parte superior del edificio ubicado en 548 South Spring Street en Los Angeles , California , EE . UU


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Mr. Mister – Kyrie

” Kyrie ” es una canción American pop rock banda de Mr. Mister , de su álbum Bienvenido al mundo real . Lanzado a fines de 1985, alcanzó el primer lugar en las listas de Billboard Hot 100 en marzo de 1986, donde fue número uno durante dos semanas. También alcanzó el primer lugar en la lista de Billboard Top Rock Tracks durante una semana. En el Reino Unido, la canción alcanzó el número 11 en abril de 1986.

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Las letras de “Kyrie” fueron escritas por John Lang, nacido en Arizona, quien coescribió las canciones de todos los álbumes de Mr. Mister. La música fue compuesta por Richard Page y Steve George durante una gira con Adam Ant .

Kýrie, eléison significa “Señor, ten piedad” en griego, y es parte de muchos ritos litúrgicos en el cristianismo oriental y occidental. Kyrie Eleison; Christé, eléison; Kyrie, eleison es una oración que pide “Señor, ten piedad, Cristo, ten piedad;. Señor, ten piedad. De acuerdo a la página toda la canción es, en esencia, una oración. Además, en griego contemporáneo, uno de las traducciones al inglés de la palabra raíz, κύριος (kyrios) es “Mister”. 

Existe el mito de que el cantante Richard Page escribió esta canción mientras estaba acostado en una cama de hospital luego de haber sido agredido. John Lang ha declarado que él fue quien fue asaltado, tres años antes de que se escribiera “Kyrie”, y que el incidente no tiene nada que ver con la canción. 

El video de esta canción fue dirigido por Nick Morris , y presenta a la banda en una presentación mezclada con imágenes tomadas al final de su gira de otoño de 1985 con Tina Turner

La canción se usó en la exitosa serie de televisión estadounidense Miami Vice durante la segunda temporada, episodio catorce “One-Way Ticket”.

El US 7 “solo se puede encontrar presionado en vinilo o poliestireno de color púrpura transparente, según el lugar de fabricación.


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The Band – Forever Young (with Bob Dylan)

“Forever Young” (en español, ‘Por siempre joven’) es una canción compuesta por el cantante estadounidense Bob Dylan. Fue incluida en el álbum Planet Waves, editado el 17 de enero de 1974.


En ese punto, Dylan había tenido “Forever Young” dentro de su cabeza durante años, y parecía que no podía encontrar una manera de enmarcar perfectamente un himno al amor paterno hace mucho tiempo.

Finalmente presentado en junio de 1973, una versión que luego aparecería en la Biografía de 1985 , que nos da otra forma de escuchar esta joya, “Forever Young” sería parte de las sesiones el 2 de noviembre de 1973 (sin Levon Helm, que todavía estaba en tránsito), 5 de noviembre, 8 de noviembre (que produjo el maestro más lento y conmovedor), 9 de noviembre y luego 14 de noviembre (fuente de la segunda toma de Planet Waves ).

Para todas esas luchas y todos estos viajes sin salida, “Forever Young” demostró ser una de las canciones más resistentes de esa época. También fue la única pista de Planet Waves que llegó a los setlists hasta el final de la exitosa gira de 1974 que siguió. – Fuente>>

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Phil Collins – Take Me Home

«Take Me Home» es la décima canción del tercer álbum de Phil Collins, “No Jacket Required“. La canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido, en julio de 1985 y en los Estados Unidos en marzo de 1986. Logró algún éxito en el Reino Unido, alcanzando el puesto #19.​ No fue tan popular como otras canciones del disco, “Sussudio” y “One More Night” en los Estados Unidos, pero logró una máxima posición #7.​ El Extended Mix de Take Me Home, lanzado en formato 12″, fue una de las seis canciones que se encontraban en el álbum de remixes de Phil “12″ers“.


“Take Me Home” es considerada una de las canciones más conocidas de Collins, y ha sido interpretadas en todas las giras desde The No Jacket Required World Tour. La canción ha sido popular entre los aficionados y es muy popular en sus shows en vivo. Conceptos erróneos comunes sobre temas de la canción es que se trata de un hombre que regresa a casa, o que se trata de las manipulaciones psicológicas del gobierno totalitario de George Orwell, en la novela de 1984. Sin embargo, en realidad Collins ha declarado que la letra de la canción se refiere a un paciente en una institución mental,​ y que está muy basada en la novela One Flew Over the Cuckoo’s Nest.​ Durante la grabación de “Long Long Way to Go”, Collins pidió a Sting que formara parte de los coros de esta canción. La canción también cuenta con su compañero de la banda GénesisPeter Gabriel, y Terry Helen en los coros.

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Video musical

El video musical cuenta con el canto de Collins en varios lugares alrededor del mundo, incluyendo LondresNueva YorkTokioChicagoMoscúSídneyParísSan Luis (Misuri)Los Ángeles (Hollywood),​ San Francisco, y Memphis ( Graceland). Al final del vídeo, Collins llega a casa y escucha a una mujer desde el interior de la casa que le preguntaba dónde ha estado. Él responde diciendo que él ha estado en algunas de las ciudades antes mencionadas. La mujer responde: “Usted ha estado en el pub, ¿no?”.


Recepción

La recepción de la canción fue en su mayoría positiva. Jan DeKnock del Chicago Tribune, dijo que la canción era “hipnótica”.​ Geoff Orens de Allmusic, dijo que la canción era una pista de Pick AMG, y que el “palpitante” de “Take Me Home” es utilizado en el drama de “In the Air Tonight” en una parte más melancólica.​ David Fricke de Rolling Stone dijo que en la canción había “la participación, el ritmo circular y la textura de una melódica lánguida”.​ Marty Raccine del Houston Chronicle pensaba que “Take Me Home”, fue una de las pocas canciones que “[rosa] por encima de la multitud [en el álbum]”.

“Take me Home” es la canción que abre el concierto Music for Montserrat celebrado en el Royal Albert Hall de Londres el 15 de septiembre de 1997.

“Take Me Home” apareció en el primer episodio de la segunda temporada de la popular serie basada en el crimen de Miami llamada Miami Vice, al igual que la primera canción de Collins “In the Air Tonight“, apareció en el episodio de la temporada de apertura. La canción fue incluida en la banda sonora de Miami Vice II. La canción también fue el tema de cierre de la World Wrestling Federation, en un programa de televisión, Saturday Night’s Main, a finales de 1980.

En 2003, el grupo de hip-hop Bone Thugs-n-Harmony basa su canción “Home” en este sencillo.​ Esta es una versión de la canción donde aparece el coro de la canción original, y alcanzó el número 19 en las listas del Reino Unido.​ El grupo viajó a Ginebra, Suiza con el fin de contar con Collins en el vídeo.


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Alejandro Sanz – Corazón Partío

«Corazón partío» es una canción escrita e interpretada por el cantautor español Alejandro Sanz siendo el segundo sencillo promocional de su álbum Más (1997) producido por el propio Alejandro Sanz, junto con Emanuele Ruffinengo y Miguel Ángel Arenas.

Fue estrenada durante el último cuarto del año de 1997 y rompió récords por haberse mantenido durante más de 70 semanas en las listas de diversos países como España, México y Argentina, otorgándole varios reconocimientos, por lo que es la canción más importante en la carrera del español. Una versión acústica de esta canción fue posteriormente incluida en su álbum MTV Unplugged, grabado en directo en 2001.

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Otras versiones

Fue versionado por varios artistas entre, ellos se encuentran Julio Iglesias (2000), Manny Manuel (1998), la cantante portuguesa Maria João (2002) y el pianista Arthur Hanlon (2003).

En 2007 Sanz volvió a grabar la canción junto a la cantante brasileña Ivete Sangalo en su álbum en vivo Multishow ao Vivo: Ivete no Maracanã.

En 2019 fue versionada por Lola Índigo, en el programa de La 1 de TVE La mejor canción jamás cantada.


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