Archivos mensuales: febrero 2020

Boy Meets Girl – Waiting for a Star to Fall

” Waiting for a Star to Fall ” es una canción lanzada por el dúo pop Boy Meets Girl en 1988. Fue un éxito mundial y se convirtió en su canción principal. Desde su lanzamiento, ha sido remezclado y cubierto por muchos artistas, incluidos Cabin Crew y Sunset Strippers.


“Waiting for a Star to Fall” fue escrita por Shannon Rubicam y George Merrill , y se inspiró en una estrella fugaz que Rubicam había visto durante un concierto de Whitney Houston en el Teatro Griego de Los Ángeles . El dúo inicialmente no consideró grabar la canción ellos mismos, sino que la envió al gerente de Houston, Clive Davis , con la esperanza de que decidiera usarla en su próximo álbum. Aunque Rubicam y Merrill habían escrito los éxitos anteriores de Houston ” How Will I Know ” y ” I Wanna Dance with Somebody (Who Loves Me) “, Davis rechazó “Waiting for a Star to Fall”, sugiriendo que no le convenía.La canción fue ofrecida y grabada por Belinda Carlisle para su lanzamiento en 1987 Heaven on Earth , ante la insistencia de su sello, pero a Carlisle no le gustó y se negó a incluirla en el álbum. Esta versión, sin embargo, ha circulado en una compilación no oficial de las tomas de ese álbum. 

El solo de saxofón tenor en la versión Boy Meets Girl se proporcionó en una sesión que grabó al principio de la carrera de Andy Snitzer, quien más tarde tuvo éxito como solista. 

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Lanzamiento y recepción 

Merrill y Rubicam decidieron grabar la canción ellos mismos para su segundo álbum Reel Life . Lanzado como single el 10 de junio de 1988, se convirtió en un éxito en los Estados Unidos, subiendo lentamente las listas y eventualmente alcanzando el número uno en el Billboard Adult Contemporary Chart  y el número cinco en el Billboard Hot 100. [6] Publicado en el Reino Unido el 30 de noviembre de 1988, la canción alcanzó el número nueve en las listas del Reino Unido durante enero de 1989, después de haber entrado en la lista en diciembre de 1988. También alcanzó el número 35 en las listas ARIA de Australia en abril de 1989.

La canción se usó como la pista de cierre de la película de 1990 Three Men and a Little Lady , y el single se relanzó como un enlace de la película, con una nueva funda con los actores de la película. Alcanzó su punto máximo en el número 76 en el Reino Unido.

El videojuego Grand Theft Auto IV incluyó la canción en la lista de reproducción de la estación de radio del juego Vice City FM. 

Johnny Loftus de AllMusic comentó que la canción era “simplemente clásica” y que “la urgencia a medida que avanza hacia su coro es una clínica para la composición duradera”. 


Video musical

El video de la canción, dirigida por la directora australiana Claudia Castle, presenta escenas de Merrill y Rubicam cantando en una playa y dentro de una casa. También se presentan escenas de un grupo de niños jugando con burbujas, incluida la pequeña hija de la pareja, Hilary. 

Joan Manuel Serrat – Lucia

«Lucía» es una canción del cantautor español Joan Manuel Serrat grabada en 1971. Originalmente forma parte del disco Mediterráneo, el último álbum producido en los estudios de Fonit Cetra​. Se incluyó además en el disco de larga duración Serrat en directo, publicado en 1984. Finalmente, una nueva grabación de esta canción, interpretada en conjunto con Silvio Rodríguez, integra también el disco cuádruple Antología desordenada, una retrospectiva de su obra en 50 canciones seleccionadas por el propio Serrat, editado por Sony en noviembre de 2014 como celebración del 50.° aniversario de su carrera artística.

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La canción es un poema al amor perdido e imposible de olvidar. Describe con sublime melancolía un sentimiento que ha quedado inscrito para siempre en la memoria («Tus recuerdos son cada día más dulces, el olvido sólo se llevó la mitad») como experiencia irrepetiblemente bella («la más bella historia de amor que tuve y tendré»).

El texto lírico de «Lucía», de verso libre y rima asonante, tiene la forma de una carta, escrita con tremenda intensidad emotiva, pero casi a fondo perdido, sin certeza alguna —y más bien sin esperanzas— de que llegue a su destinataria: «es una carta de amor, que se lleva el viento pintado en mi voz, a ninguna parte, a ningún buzón». La canción consta, aparte del estribillo, de dos estrofas iniciales de estructura similar, seguidas por otra estrofa compuesta por versos en donde se describe la experiencia sensible a través de la figura de “si fui esto o aquello fue por tu amor Lucía”. El autor casi no habla de Lucía en el poema, no la describe, no da señas sobre ella, ni ensalza directamente sus características. La letra está centrada en lo que Lucía ha producido en él («si alguna vez fui bello y fui bueno, fue enredado en tu cuello y tus senos»). Lucía es esencialmente maravillosa por cómo lo hizo sentir a él y por la huella imborrable que le ha dejado de esos sentimientos sublimes.

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Muchas veces le han preguntado a Serrat en entrevistas por la existencia real de Lucía, pero el artista elude aportar detalles: «no hay mucho que contar. Como dice el bolero, es lo que pudo haber sido y no fue. Pero también fue lo que fue y, a fin de cuentas, en la vida lo que queda es lo que cuenta».​ Sin embargo, hay versiones periodísticas que señalan que Serrat habría confesado que su canción relata una historia real, de modo que Lucía, según esta fuente, habría sido un viejo amor a quien el cantautor jamás pudo olvidar, llegando incluso a llamarla el día de su boda para recordarle que la seguía amando.

El cantautor cubano Santiago Feliú confirmó en 2011 la versión acerca de la boda de Lucía, revelando que habría escuchado esto directamente de Serrat en 1997. La anécdota aparece en un artículo de prensa en el que Feliú se refiere a la gran influencia que ejerció esta canción en su propia formación como compositor.​ Relata que muchas veces cantó «Lucía» y siempre sostenía que «esta es la mejor canción de amor que existe». Le parecía perfecta porque reunía todas las características deseables para un tema musical de amor: «una melodía ingeniosamente elegante que se podía manejar con la guitarra (aunque la conocí ya orquestada), un texto que combinaba líneas muy directas y otras más metafóricas, y el tema del amor perdido, la nostalgia, cierto desamor por tanto amor».

​Además de confesarle que le parecía una maldad haber llamado a Lucía en el día de su boda, Serrat le habría dicho a Feliú en esa oportunidad que ya no recordaba si había escrito esta canción antes o después de la boda de Lucía, un olvido que a Feliú le pareció muy gracioso.

René León —quien ha mantenido una extensa relación de colaboración y amistad con Serrat durante casi medio siglo, siendo promotor y productor de sus giras en México— se ha referido en entrevistas a la canción «Lucía», señalando que sería una de las canciones más solicitadas por el público en los conciertos y presentaciones en vivo del artista. También él aporta su versión sobre una «Lucía real», relatando que la canción habría sido compuesta para una azafata de la línea aérea Iberia de quien Serrat habría estado enamorado en aquella época, señala además que por aquellos tiempos el artista era «un auténtico galán conquistador, impactante para el género femenino»

El propio autor solo dice que aunque quedó inmediatamente satisfecho con el resultado de su composición en cuanto acabó de escribirla, hubiese preferido no tener que escribir jamás nada como esa canción «porque eso significaría que no habría sufrido por amor».


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Genesis – In Too Deep

In Too Deep (en castellano: “Demasiado Profundo”) es la cuarta canción del álbum Invisible Touch del grupo británico Genesis, publicado en 1986.

Fue lanzado como el segundo single del LP, llegando a alcanzar el puesto #3 en EE. UU. mientras que alcanzó el puesto #19 en el Reino Unido. El lado-B de este single era la canción instrumental “Do The Neurotic” en la edición inglesa y “I’d Rather Be You” en las ediciones internacionales. Estas dos canciones pertenecen a las sesiones de grabación del álbum pero no formaron parte del mismo.

Es una de las baladas más favorables para el grupo, solamente igualada por Hold on My Heart de su próximo álbum. Las letras retratan a un hombre intentando comprender porque su amante lo deja.

El video promocional de la canción muestra a los tres integrantes del grupo tocando en un escenario con plataformas. Tony Banks toca un piano de cola, aunque la grabación en sí misma utiliza sintetizadores, mientras que Mike Rutherford toca su guitarra y Phil Collins canta. Fue interpretada de forma regular en la gira de 1986-87, posterior al lanzamiento del álbum pero fue descartada para la siguiente gira en 1992. Una grabación de esta canción en vivo puede encontrarse en el álbum The Way We Walk, Volume One: The Shorts.

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“In Too Deep” fue interpretada como un cover en el programa orientada a los niños, “Kids Incorporated“; donde se la cambiaron las letras de la canción por un amigo en lugar de un amante. También formó parte de la banda de sonido de la película “Mona Lisa” de 1986, interpretada por el actor británico Bob Hoskins entre otros.

En una entrevista del 2007 en el sitio web de Genesis, Tony Banks y Mike Rutherford resaltaron que “In Too Deep” podría formar parte del repertorio de canciones en los conciertos de Norteamérica durante la gira “Turn It On Again” de ese mismo año. No fue interpretada durante los conciertos por Europa, pero se había planeado que reemplazara a Ripples, ya que “In Too Deep” fue un éxito mayor en América que en Europa. De todas formas, el repertorio de canciones no fue modificado, y la canción no fue interpretada durante esta gira.


Video musical

El video musical de la canción presenta a los tres miembros de la banda tocando en un conjunto minimalista compuesto por pasos y plataformas. Tony Banks toca un piano de cola, aunque la grabación en sí es principalmente eléctrica, mientras que Mike Rutherford imita la guitarra acústica y la voz y batería de Phil Collins.


La canción aparece en la película Mona Lisa durante una secuencia en la que el personaje de Bob Hoskins investiga los establecimientos sexuales de Soho.

En la American 2000 thriller psicológico película American Psycho , Patrick Bateman (interpretado por Christian Bale ) describe la canción como “la canción pop más movimiento de la década de 1980, sobre la monogamia y el compromiso. La canción es muy edificante. La letra es tan positiva y afirmativa como todo lo que he escuchado en el rock “. 

La canción se incluyó en el concierto de Genesis en la lista de canciones solo durante los conciertos estadounidenses de 1986 de Invisible Touch Tour , que comenzó en Detroit , Michigan , el 18 de septiembre de 1986.

Bill Medley, Jennifer Warnes – (I’ve Had) The Time Of My Life

«(I’ve Had) The Time of My Life» es una canción compuesta por Franke Previte, John DeNicola y Donald Markowitz, publicada originalmente en el álbum debut homónimo de Franke Previte en 1981. Fue grabada por Bill Medley y Jennifer Warnes, después de haber sido seleccionada para ser la canción final de la película de 1987 Dirty Dancing por el coreógrafo Kenny Ortega y su asistente Miranda Garrido.


El cantante y compositor Previte fue el cantante principal de la banda Franke and the Knockouts . Tuvo éxito con la canción ” Sweetheart ” en 1981, pero en 1986 no tenía contrato de grabación. A finales de 1986 o principios de 1987, el productor y director de Millennium Records , Jimmy Ienner , le preguntó a Previte sobre escribir algo de música para “una pequeña película llamada Dirty Dancing “. Previte inicialmente rechazó la solicitud porque todavía estaba tratando de conseguir un contrato discográfico, pero Ienner fue persistente y consiguió que Previte escribiera varias canciones para la película, incluida ” Hungry Eyes “, que luego grabó el cantante Eric Carmen , que También se convirtió en un top 10 hit.

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Previte escribió la letra, y la música fue escrita por John DeNicola y Don Markowitz. Después de obtener una mayor aprobación, Previte creó una demostración de la canción, interpretándola él mismo, junto con el cantante Rachele Cappelli. La demostración mostró cómo se iban a utilizar las armonías, empleando un “frío abierto”, o un lento desarrollo de la canción hasta su final. Esta demostración no se usó en el corte final de la película, sino la versión más pulida con Warnes y Medley. Sin embargo, debido a que la pista de Warnes / Medley no estaba lista cuando se filmó el final (se filmó primero, debido al escaso presupuesto), la versión mucho más ligera y juvenil de Previte y Capelli se usó como pista de fondo, de modo que actores, Patrick Swayze y Jennifer Gray, y los bailarines, podrían tener algo para bailar (Swayze comentó más tarde que era su versión favorita, incluso incluyendo todos los remakes posteriores). La versión demo finalmente apareció en la reedición del CD de 1998 del álbum de Previte de 1981 Franke and the Knockouts , pero solo aparece como “Bonus Track”.

La canción inicialmente estaba destinada a Donna Summer y Joe Esposito , pero Summer la rechazó porque no le gustaba el título de la película.  Jimmy Ienner se acercó a Bill Medley repetidamente durante dos meses para hacer la grabación, pero también lo rechazó porque su hija McKenna iba a nacer, y le había prometido a su esposa que estaría allí. Después del nacimiento de su hija, se le acercó nuevamente a Medley, porque Jennifer Warnes había indicado que grabaría la canción si podía hacer el dueto con Medley.  Medley luego acordó grabar la pista. Con el lanzamiento de la película, se convirtió en un éxito mundial y es una de las canciones más escuchadas en la radio.

Inicialmente, se planeó que una canción de Lionel Richie se usara como el final de Dirty Dancing pero el coreógrafo Kenny Ortega y su asistente Miranda Garrison (quien también interpretó a Vivian en la película) seleccionaron “The Time of My Life”.


En los Estados Unidos, debido a la popularidad de “Dirty Dancing”, el sencillo encabezó la lista Billboard Hot 100 en noviembre de 1987, durante una semana, y también alcanzó el número uno en el Adult contemporary durante cuatro semanas.

 En el Reino Unido, la canción tuvo dos lanzamientos: en noviembre de 1987, después del estreno de la película, y la canción alcanzó el puesto # 6, en enero de 1991, cuando la película fue exhibida en la televisión convencional, la canción alcanzó el puesto # 8.


Premios

Janis Joplin – Maybe

” Quizás” es una canción con palabras y música originalmente acreditada al propietario de End Records George Goldner y “Casey”. El crédito de co-escritura fue luego transferido a Richard Barrett. Se cree que Arlene Smith, cantante principal de los Chantels, es un co guionista sin acreditar. 

Fue grabado por primera vez por los Chantels el 16 de octubre de 1957, en un estilo doo-wop con Barrett tocando el piano, y lanzado en diciembre de 1957.

Subió a las listas en enero de 1958, alcanzando el número 15 en el Billboard Hot 100 y Nº 2 en el Billboard R & B gráfico. Posteriormente se describió como “posiblemente, el primer destello verdadero del sonido del grupo de chicas “.  Rolling Stone lo ubicó en el número 199 en su lista de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. También se incluyó en la “Biblioteca de registros básicos” de Robert Christgau de las grabaciones de los años 1950 y 1960, publicada en la Guía de registros de Christgau: Álbumes de rock de los años setenta (1981). 


La canción ha sido cubierta por muchos artistas, incluidos Janis JoplinThe Three Degrees (cuya versión de 1970 se convirtió en un éxito de los treinta primeros) y The Shangri-LasJohn Frusciante de los Red Hot Chili Peppers ha interpretado la canción en concierto, como se ve en Live at Slane Castle.

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La canción apareció en el videojuego de 2010 Mafia II , a pesar de que el juego tiene lugar en 1951 y la canción fue grabada en 1957.

Billboard nombró la canción número 60 en su lista de las 100 mejores canciones de grupo de chicas de todos los tiempos. 

Rod Stewart – This Old Heart Of Mine

” This Old Heart of Mine (Is Weak for You) ” es una canción de The Isley Brothers de 1966 que fue un éxito para ellos durante su breve permanencia en el sello Tamla de Motown . Con Ronald Isley en la voz principal, “This Old Heart of Mine” alcanzó el número doce en el Billboard Hot 100 , y en el número seis en la lista de singles de Billboard R&B

En el Reino Unido, la canción alcanzó originalmente el número 47 en abril de 1966, pero se reescribió a fines de 1968 y alcanzó el número tres durante dos semanas en noviembre, convirtiéndose en el single más alto del grupo en el Reino Unido. 

Escrito por el equipo principal de composición de Motown Holland – Dozier – Holland junto a Sylvia Moy , “This Old Heart of Mine”, producido por Brian Holland y Lamont Dozier , originalmente estaba destinado a The Supremes (que más tarde grabó su propia versión para su álbum de 1966 The Supremes A ‘Go-Go ). El sencillo fue el único gran éxito del grupo mientras estaba en Motown, a quien dejaron en 1969 para reiniciar su propia etiqueta con cuello en T.

Tammi Terrell también grabó y lanzó la canción como parte de su álbum Irresistible lanzado en enero de 1969.

La canción fue destacada en un episodio del exitoso show de 1980 Moonlighting y fue una de las canciones incluidas en la exitosa banda sonora del programa.


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En 1975, Rod Stewart lanzó una nueva versión de esta canción que se trazó en varios mercados. En 1989, Stewart lanzó otra versión, esta vez un dúo de la canción con Ronald Isley que alcanzó el número dos en la lista de RPM Top Singles de Canadá, el número 10 en el Billboard Hot 100 de EE. UU. , El número uno en las listas de Adult Contemporary de Billboard y RPM . La versión posterior fue producida por Bernard Edwards y Trevor Horn y fue lanzada en Warner Records.

Bryan Ferry – Let’s Stick Together

Let’s Stick Together es un álbum de 1976 de Bryan Ferry . Su tercer lanzamiento en solitario, fue el primero después de la disolución de Roxy Music a principios de año. A diferencia de las dos grabaciones en solitario anteriores de Ferry, Let’s Stick Together no era un proyecto de álbum dedicado, sino que estaba compuesto por material lanzado como singles, B-sides y un EP . Tuvo una recepción crítica en general favorable, pero solo acaba de llegar al Top 20 del Reino Unido.

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Cinco de las pistas del álbum fueron remakes de canciones de Bryan Ferry previamente grabadas con Roxy Music. ” Re-Make / Re-Model “, ” 2HB “, ” Chance Meeting ” y ” Sea Breezes ” fueron del álbum debut homónimo titulado de la banda (1972), mientras que “Casanova” fue tomado de Country Life (1974). En la mayoría de los casos, las re grabaciones fueron más suaves y más orientadas al jazz y al R&B que las versiones originales de Roxy Music.

Las otras seis pistas del álbum eran covers. El saxofón ” Let’s Stick Together ” fue escrito y originalmente grabado por Wilbert Harrison . Fue remezclado en 1988 para la compilación The Ultimate Collection . Otros números de ritmo acelerado fueron “The Price of Love” de The Everly Brothers y “Shame, Shame, Shame” de Jimmy Reed (que incluye un contra-vocal de los cantantes de respaldo que cita “Can I Get A” de Marvin Gaye Testigo”). Las versiones restantes, que incluyeron ” It’s Only Love ” de The Beatles , se realizaron en un estilo de cabaret suave .

“2HB” (un homenaje a Humphrey Bogart ) había sido lanzado como el lado B del sencillo ” A Hard Rain’s a-Gonna Fall ” de Ferry en septiembre de 1973. “Chance Meeting” fue el lado B de “The ‘In’ Crowd “en mayo de 1974.” You Go to My Head “b / w” Re-Make / Re-Model “fue lanzado como single en junio de 1975, quedando en el puesto # 33 en las listas del Reino Unido. “Let’s Stick Together” b / w “Sea Breezes” fue lanzado en junio de 1976, quedando en el n. ° 4. El EP de reproducción extendida , con “The Price of Love” y “Shame, Shame, Shame” en blanco y negro “Heart on My Sleeve” y “It’s Only Love”, fue lanzado en agosto de 1976, quedando en el puesto # 7. “Casanova””sesiones en 1974 y finalmente publicado como el lado B de la versión de Ferry de” The Govet On ” de The Velvet Underground en mayo de 1978. La canción” Let’s Stick Together “fue relanzada en 1988 como” Let’s Stick Together ’88 “, haciendo el n. ° 12.

Varios miembros de Roxy Music participaron en las grabaciones, incluidos Paul Thompson en la batería , Eddie Jobson en el violín y el sintetizador , John Gustafson y John Porter en el bajo , y Phil Manzanera y David O’List en la guitarra . Aunque el prometido de Ferry, Jerry Hall, apareció con un disfraz de piel de tigre, completo con cola, en el video clip de la canción principal, los gritos de la canción fueron interpretados por un miembro no identificado del coro de acompañamiento.


Recepción crítica 

Al revisar AllMusic , Ned Raggett escribió sobre el álbum: “A medida que Roxy se acercaba a su hibernación de mediados a finales de los 70, a Ferry se le ocurrió otro excelente álbum en solitario, aunque uno de los más curiosos”. Según Robert Christgau , “Mucha gente está loca por este disco, pero su bifurcación es alienante”. Añadió: “Aunque Ferry demuestra que sabe más sobre hacer discos (y música) de lo que solía hacerlo, las canciones siguen siendo poderosas, extrañas e interesantes, pero no del todo convincentes. Súmelo todo y obtendrá … dos por separado partes.” 

Supertramp – Free As A Bird

Free as a Bird es el noveno álbum de estudio del grupo británico Supertramp, publicado por la compañía discográfica A&M Records en octubre de 1987.

El álbum, grabado entre los Ocean Way Recording Studios de Hollywood y el estudio personal de Rick Davies en Encino (California), marcó un cambio distintivo en el sonido característico de Supertramp, al incorporar elementos pop y dance en detrimento del rock progresivo de anteriores trabajos. Al respecto, Davies comentó que «Free as a Bird fue un experimento para tratar de ser moderno y construirlo con ordenadores y máquinas de ritmo, y que la gente viniese de uno en uno, lo cual te hacía perder el espíritu de grupo un poco».

Fue el segundo trabajo discográfico del grupo con Davies como líder y único compositor, tras la marcha de Roger Hodgson en 1983, así como el primero en incluir la contribución de Mark Hart, guitarrista de Crowded House, quien tocó por primera vez con el grupo en la gira posterior al lanzamiento de Brother Where You Bound. Hart, quien compartió con Davies los créditos de «Where I Stand», se convirtió en miembro de pleno derecho de Supertramp en las grabaciones de Some Things Never Change y Slow Motion.

Tras su publicación, y a pesar de que el sencillo «I’m Beggin’ You» llegó al primer puesto en la lista Hot Dance Music/Club Play de BillboardFree as a Bird se convirtió en el disco menos exitoso de la trayectoria de Supertramp. Alcanzó el puesto 101 de la lista estadounidense Billboard 200, la peor posición para el grupo desde el lanzamiento de su primer álbum homónimo, y llegó a la posición 93 en la lista de discos más vendidos del Reino Unido.


Tras su publicación, Free as a Bird obtuvo reseñas mixtas de la prensa musical. Stephen Thomas Erlewine de Allmusic escribió: «Al carecer de la sensibilidad pop de Breakfast in America y …Famous Last Words…, así como la fusión jazz de Brother Where You BoundFree as a Bird es una colección sin color y sin melodía de serpenteante rock progresivo distinguido solo por el fecho de que el futuro guitarrista de Crowded House Mark Hart apareció en la grabación».

El lanzamiento de Free as a Bird fue seguido del World Migration Tour, una nueva gira en la que Rick Davies rompió un supuesto acuerdo verbal con Roger Hodgson según el cual no podía interpretar canciones del segundo en directo. La gira, de cuatro meses de duración, fue recopilada en el álbum Live ’88.

​ Tras la gira de promoción de Free as a Bird, el grupo estuvo inactivo casi diez años, tras los cuales volvió a reunirse para grabar Some Things Never Change sin la presencia del bajista Dougie Thomson.


Portada

La portada de Free as a Bird incluyó una fotografía del pintor francés Georges Braque pintando en su estudio, realizada por su asistenta Mariette Lachaud, en 1954.​ La portada y la funda interior de la edición original en LP fueron publicadas en cuatro colores diferentes: azul, verde, rosa y amarillo. En la fotografía de la portada, la forma del ave dibujada por Braque es un recorte, lo cual permite la vista de la funda interior del disco, de color amarillo.

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