• Definición del Rock

      Fuente>> Rock es un vocablo inglés que hace referencia a un género musical de ritmo muy marcado, nacido a partir de la fusión de varios estilos del folclore estadounidense y popularizado desde de la década

    Leer más »
  • Rock and roll

    Fuente Wikipedia>> El rock es un término amplio que agrupa una variedad de géneros de música popular originados como rock and roll a principios de la década de 1950 en Estados Unidos y que evolucionó en un

    Leer más »
  • Rock de España

    Fuente Wikipedia>> El término rock español hace referencia al rock hecho en España (lo que incluye el territorio europeo peninsular e Islas Baleares; además de las regiones ultraperiféricas de Canarias, Ceuta y Melilla situadas en el norte de Africa). Valga la aclaración para no

    Leer más »
  • Música de los años 90

    Fuente Wikipedia>> Grupos de música de los años 1990 Fuente Wikipedia>> Década de 1990 en la música    La música popular en la década de 1990 vio la continuación de las tendencias pop adolescente y dance-pop que surgieron en

    Leer más »
  • Música de los años 80

    Fuente>> Wikipedia La década de 1980 vio la aparición de la música de baile y la nueva ola . A medida que el disco pasó de moda en los primeros años de la década,  géneros como el post-disco , Italo disco , Euro disco y dance-pop se hicieron más populares. La

    Leer más »
  • Música de los años 70

    WIKIPEDIA>> Grupos de música de los años 1970 Fuente>> Wikipedia La Música disco o simplemente Disco es un género de música de baile derivada del rhythm and blues que mezcló elementos de géneros anteriores, como el soul y el funk, con toques latinos en

    Leer más »
  • Música de los años 60

    Fuente Wikipedia>>  Música en Francia La música francesa tuvo gran influencia en cuanto al rock y otros géneros musicales que comenzaron a surgir en el país, en la época de

    Leer más »
  • Música de los años 50

    WIKIPEDIA>> Grupos de música de los años 1950 Fuente>> Wikipedia El rock and roll (también rock ‘n’ roll o rock & roll), en español rocanrol,​ es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica

    Leer más »

Kylie Minogue – The Loco-motion

«The Loco-Motion» es una canción popularizada por la cantante estadounidense Little Eva. Fue escrita por el compositor estadounidense Gerry Goffin y la compositora y cantante Carole King llegando al número uno de Billboard en el año 1962.

Posteriormente el grupo estadounidense de Hard Rock “Grand Funk Railroad” versionó esta canción llegando también al número uno de Billboard en el año 1974 y con la cantante australiana Kylie Minogue fue N°1 en Australia y el Reino Unido y N°3 en la lista estadounidense de Billboard en 1988.

También fue versionada por Ritz, Silvie Vartan, The Ventures, Litte Eva, Charly García.


Versión de Kylie Minogue

Después de una improvisada presentación de la canción en un evento de caridad Australian rules football con el elenco de la telenovela australiana Neighbours, Minogue firmó un contrato con Mushroom Records para lanzar la canción como un sencillo. El sencillo fue lanzado el 28 de julio de 1987 en Australia, Suecia e Italia bajo el título de “Locomotion”. La canción fue un éxito en Australia, llegando a la posición nº 1 y quedándose ahí por siete semanas consecutivas. El éxito de la canción en su país natal resultó en su firma un contrato de grabación con PWL Records en Londres y para trabajar con el exitoso equipo Stock, Aitken & Waterman, quien produjo el sencillo.

Durante 1988 hubo una re-grabación y una versión remix de la canción fue lanzado mundialmente con el título de “The Loco-Motion”. Este nuevo lanzamiento fue un éxito más grande que el anterior, llegando al top 5 en el Reino Unido, los Estados Unidos y Canadá. La versión de Minogue apareció en la película Arthut 2: On The Rocks, protagonizada por Dudley Moore y Liza Minnelli.

336000

El video musical de The Loco-Motion fue filmado en el Essendon Airport y los estudios ABC en Melbourne, Australia.

A fines de 1988 la canción fue nominada a Mejor sencillo internacional en los Canadian Music Industry Awards.


En 1987 la canción estableció el récord de El sencillo australiano más exitoso de la década. En todas las partes de Europa y Asia la canción también presentó un buen rendimiento en las listas, llegando al primer puesto en BélgicaFinlandiaIrlandaIsraelJapón , Hong Kong, y Sudáfrica.

El lanzamiento de la canción en 1988 en el Reino Unido debutó en el #2 en la lista de sencillos -La entrada más alta en el Reino Unido por parte de una artista femenina, récord que antes pertenecía a la estadounidense Madonna)- debido a las fuertes ventas del disco vinilo y la sintonía que tenía en las radios del país. Este se mantuvo en el #2 por cuatro semanas antes de caer al #3. Con ventas de 440 000 copias en sólo el Reino Unido fue el undécimo sencillo más vendido del año. La canción se convirtió en el tercer top 5 de Minogue en Reino Unido y es uno de sus más importantes sencillos hasta la fecha. Durantes fines de 1988, Minogue viajó a los Estados Unidos para promocionar el sencillo, donde ella hizo presentaciones en vivo y entrevistas en programas de televisión americanos.

The Loco-Motion debutó en la posición #80 en Estados Unidos y más tarde subió a la posición #3 por dos semanas. La canción fue el segundo sencillo de Minogue para los Estados Unidos, pero el primero no alcanzó a llegar al top 10. Este tema sigue siendo su canción más exitosa en EE.UU.

La canción también entró en las listas de Canadá en la lista top pop llegando al primer puesto. En Europa alcanzó el primer puesto por varias semanas y en el World Chart figuró en el tercer lugar.

The Supremes – Stop In The Name Of Love

” Stop! In the Name of Love ” es una canción de 1965 grabada por The Supremes para el sello Motown .

Escrito y producido por el principal equipo de producción de Motown, Holland-Dozier-Holland , “Stop! In the Name of Love” ocupó el puesto número uno en la lista de singles pop de Billboard en los Estados Unidos desde el 27 de marzo de 1965 hasta el 3 de abril de 1965, y alcanzó la posición número dos en la carta del alma.

Billboard nombró la canción # 38 en su lista de las 100 mejores canciones de grupos de chicas de todos los tiempos.

the-supremes-stop-in-the-name-of-love-stateside-2


The Supremes grabó “Stop! In the Name of Love” en enero de 1965 y lanzó como sencillo el 8 de febrero. La canción fue incluida en el sexto álbum de Supremes, More Hits de The Supremes , y fue nominada para el 1966 Premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal del Grupo de Rock & Roll Contemporáneo , perdiendo a “Flowers on the Wall” de los Statler Brothers . La canción también fue honrada por inclusión en la colección permanente del Salón de la Fama del Rock and Roll de las 500 canciones que formaron el Rock and Roll.


Los Jackson  cubrieron esto en una presentación en vivo en el Show de Carol Burnett en 1975, ya que estaban rindiendo homenaje a los Supremes , los hermanos Mills y las hermanas Andrews.

Versiones de la cubierta se registraron más adelante por Gloria Gaynor (1982), The Hollies (que vio su versión alcanzó su punto máximo en Estados Unidos en el número 29 y en Canadá en el número 31 en 1983), Sinitta (1993 ), Nicki French (1995) y Globe (2001).

La cantante estadounidense La Toya Jackson grabó la canción para su álbum de 1995 Stop in the Name of Love.

La canción aparece en la película de 1979 Universal Pictures More American Graffiti y también se incluye en la banda sonora.

Madonna – Frozen

«Frozen» es una canción interpretada por la cantante estadounidense Madonna, incluida en su séptimo álbum de estudio Ray of Light (1998).

El sello Maverick Records la publicó como el primer sencillo del álbum el 23 de febrero de 1998. La canción también fue incluida en los recopilatorios GHV2 (2001) y Celebration (2009). «Frozen» fue compuesta por Madonna y Patrick Leonard y fue producida en colaboración con William Orbit. Musicalmente construida como una balada electrónica de tempo medio, «Frozen» habla sobre un ser humano frío y sin emociones. En 2005, un juez belga dictaminó que «Frozen» era un plagio de una canción de Salvatore Acquaviva y finalmente fue prohibida en la región. Esta decisión fue anulada en 2014, levantando la prohibición de Bélgica sobre la canción.

R-78472-1380914143-8134.jpeg

«Frozen» recibió elogios de los críticos musicales, algunos de los cuales la consideraron como destacada en el álbum. Fue descrita como una obra maestra y su sonido y ritmo melódico se definieron como «cinemático». La canción fue un éxito en todo el mundo, alcanzando el número dos en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, convirtiéndose en el sexto sencillo número dos de Madonna y en la artista con más éxitos número dos en la historia de esa lista, mientras que alcanzó el número uno en la lista Billboard Hot Dance Club Play. En última instancia, llegó al número uno en el Reino Unido, Escocia, Italia, España y Finlandia y también dentro de los cinco primeros lugares en otros países, como Australia, Suecia y Suiza.

El video musical que acompaña a «Frozen» fue dirigido por Chris Cunningham en un desierto en California, retratando a Madonna como una persona melancólica, etérea y bruja que se transforma en una bandada de pájaros y un perro negro. El video musical recibió un premio MTV Video Music Award por «mejores efectos especiales» en 1998. Para promover Ray of Light, la cantante interpretó la canción en varias ocasiones incluyendo en Wetten dass…?. Además, fue incluida en tres giras de Madonna. «Frozen» ha sido versionada por un número de artistas, como Talisman y Thy Disease.


Video musical

El vídeo musical fue dirigido por Chris Cunningham. La grabación se llevó a cabo en el Cuddeback Lake, un lago seco del Desierto de Mojave, del 7 al 11 de enero de 1998.

Madonna dijo que se sintió atraída por Cunningham debido a su trabajo en el videoclip de la canción «Come to Daddy» del DJ Aphex Twin. Quiso ambientarlo en un desierto porque es «un lugar mágico» en el que se puede encontrar «mucha energía mágica y mística»; estuvo inspirado por la cinta de 1997 El paciente inglés, los trabajos de la bailarina Martha Graham y el autor Edgar Allan Poe.

​ Se estrenó el 16 de febrero en el canal MTV a las 4 P.M.​ El vestido negro que la cantante porta en el video fue diseñado por Olivier Theyskens, y proporcionado por su entonces nueva colaboradora, la diseñadora Arianne Phillips.​ Originalmente, Madonna quiso filmar el video en Islandia, «un lugar donde hace mucho frío y donde hay nieve», pero luego cambió de parecer:

«Pensé: Me voy a congelar. Me voy a sentir miserable. Me arrepentiré de haber escogido un lugar frio. Así que dije, hagámoslo en el desierto, porque aunque piensas que son calurosos, están congelados en el sentido de que no hay vegetación y están muy desolados. Pero cuando llegamos, hacía veinte grados bajo cero, hacía un frío glacial y yo estaba descalza. Estuve descalza durante toda la filmación, y luego comenzó a llover y todos se enfermaron resultó ser una experiencia muy desagradable».

Cunningham también la paso mal durante la filmación; «estaba tan emocionado de finalmente tener presupuesto para un video, luego terminé en el desierto y hubo un monzón: llovió sobre el equipo, las cámaras se estropearon y terminé empapado, teniendo que grabar cubierto con una manta».​ El clip comienza con tomas del piso del desierto, agrietado y desecado, y luego aparece Madonna flotando sobre el suelo ataviada con un largo vestido negro. Tiene las manos cubiertas de tatuajes de alheña y el símbolo Om en una de sus palmas. Gesticula lentamente y mueve sus brazos hacia el cielo, rogando desesperadamente al amante citado en la canción.

 En un punto, cae hacia atrás y, al golpear el suelo, se transforma en una bandada de cuervos grandes; luego se transforma en un perro negro.​ Conforme avanza el video, aparecen 3 Madonnas que caminan y gatean por el desierto. El cielo se oscurece y una de las Madonnas levita para transformarse nuevamente, esta vez en un líquido negro que corre a lo largo del suelo del desierto que luego es absorbido por las manos tatuadas de otra Madonna. El clip termina con una toma de la cantante con expresión «desesperada y melancólica».

Harry Nilsson – Everybody’s Talkin

«Everybody’s Talkin’» es una canción escrita por el compositor Fred Neil en 1966. La versión del tema interpretada por Harry Nilsson, se convirtió en un éxito internacional en 1969, al ser incluida como tema principal de la banda sonora de la película Midnight Cowboy, protagonizada por Jon Voight y Dustin Hoffman.

El sencillo alcanzó los primeros puestos en las listas de éxitos norteamericanas, recibiendo un Premio Grammy en la categoría de mejor interpretación vocal pop masculina.


Historia

El tema fue grabado inicialmente por su compositor, Fred Neil y publicado en su álbum homónimo a comienzos de 1967. Neil compuso la pieza durante las últimas sesiones de grabación del álbum, ansioso por terminar el trabajo lo antes posible y regresar a casa.1​ Tan solo unos meses más tarde, el cantante Harry Nilsson, que andaba a la búsqueda de un sencillo de éxito, escuchó el tema de la mano del productor Rick Jarrard y decidió incluirlo en su álbum, Aerial Ballet, publicado en 1968.

hqdefault (1)

“Everybody’s Talkin'” fue lanzado como sencillo en julio de 1968, sin apenas repercusión. Sin embargo, la inclusión del tema en la banda sonora de la película Midnight Cowboy, dirigida por John Schlesinger en 1969, la convirtió en un éxito internacional, siendo reeditado el sencillo, que en esta ocasión llegó al número 6 de la lista Billboard Hot 100.

El disco superó el millón de copias vendidas, y Nilsson recibió un Grammy en la categoría de mejor interpretación vocal pop masculina,​ convirtiéndose este en el mayor éxito comercial de su carrera, junto con Without you, en 1971. Nilsson fue un compositor prolífico, pero paradójicamente ninguno de los dos temas que le proporcionaron la fama fue escrito por él.​ Por su parte, Fred Neil, se retiró de la música profesional en 1971, marchándose a vivir a los Cayos de Florida donde pasó el resto de su vida dedicado a la defensa de los delfines,​ viviendo de la fortuna que le proporcionaron los derechos de autor del tema.

Desde su composición, “Everybody’s Talkin'” ha sido versionada por más de 100 artistas, entre los que cabe destacar, Jimmy BuffettStevie WonderJulio IglesiasWillie NelsonGlen CampbellNeil DiamondLiza MinnelliTony BennettLunaBill WithersMadeleine PeyrouxLouis ArmstrongLeonard NimoyLena HorneEngelbert HumperdinckIggy Popthe Beautiful SouthTedeschi Trucks BandPaolo NutiniHarry Dean StantonRyan CookCamille and StuieJoe Sample & Randy CrawfordFred NeilCrosby, Stills, Nash & YoungHugo WinterhalterCrowded HouseRoger MillerGlen CampbellThe Seldom SceneAnia DąbrowskaPaul JostKing CurtisJohnny MathisJohn HoltKelvin Jones y Diana Krall.

Además de en Midnight Cowboy, la canción fue incluida posteriormente en otras bandas sonoras. En 1994 apareció en la selección de canciones que formaron la banda sonora de la película Forrest Gump, cuyo álbum llegando a alcanzar los doce millones de copias vendidas.

​ En 2006, fue incluido en la banda sonora de la comedia de Sacha Baron CohenBorat. Aparece también en un buen número de series de televisión como The HangoverMy Name Is Earl y Black Books, entre otras.

Duran Duran – Ordinary World

«Ordinary World» —en español: «Mundo Ordinario»— es una canción de estilo soft rock, es el vigésimo séptimo sencillo de la banda británica de new wave Duran Duran, y el primer sencillo de su séptimo álbum de estudio autotitulado de 1993, también conocido como The Wedding Album. La canción llegó al número 3 en las listas estadounidenses y alcanzó la sexta ubicación en las listas británicas.

https://open.spotify.com/album/0PqCkTvKFJxzr9uujq7a3T

R-854954-1165753222.jpeg


Personal


Antecedentes

En los años ’90, la popularidad de Duran Duran se había desvanecido. Su álbum Liberty había demostrado ser un fracaso comercial, sus dos singles no alcanzaron conseguir una posición significativa en las listas británicas o estadounidenses.

No fue hasta que se había filtrado la canción en una estación de radio de la Florida en el otoño de 1992, cuando se podía ver que Duran Duran podría volver de nuevo al ruedo. El single obtuvo tal popularidad que Capitol se vio obligado a adelantar la fecha de lanzamiento en los Estados Unidos en diciembre de 1992. En el Reino Unido, la fecha original de lanzamiento fue programada para enero de 1993. La canción puede ser significar como la introducción de Duran Duran a una nueva generación de fanes.

La batería fue tocada por Steve Ferrone.

Simon Le Bon interpretó la canción junto a Pavarotti en un concierto de caridad para la organización WarChild, que fue lanzado en formato video titulado Pavarotti & Friends: Together for the Children of Bosnia.1​ Le Bon dijo después del evento, “Si estamos hablando en ponerle un nombre a este proyecto, un buen nombre sería, Pav-The Man-“.

La canción ganó un Premio Ivor Novello en mayo de 1994 y más tarde apareció en la banda sonora de la película Layer Cake en 2005.

Las letras de “Ordinary World” fueron compuestas por Simon Le Bon como el segundo de una trilogía de canciones en honor a su difunto amigo David Miles, los otros son “Do You Believe In Shame” (1988) y “Out of My Mind “(1997).


Video musical

El video musical fue filmado por el director Nick Egan en los jardines de Huntington en San Marino, California.

Boy Meets Girl – Waiting for a Star to Fall

” Waiting for a Star to Fall ” es una canción lanzada por el dúo pop Boy Meets Girl en 1988. Fue un éxito mundial y se convirtió en su canción principal. Desde su lanzamiento, ha sido remezclado y cubierto por muchos artistas, incluidos Cabin Crew y Sunset Strippers.


“Waiting for a Star to Fall” fue escrita por Shannon Rubicam y George Merrill , y se inspiró en una estrella fugaz que Rubicam había visto durante un concierto de Whitney Houston en el Teatro Griego de Los Ángeles . El dúo inicialmente no consideró grabar la canción ellos mismos, sino que la envió al gerente de Houston, Clive Davis , con la esperanza de que decidiera usarla en su próximo álbum. Aunque Rubicam y Merrill habían escrito los éxitos anteriores de Houston ” How Will I Know ” y ” I Wanna Dance with Somebody (Who Loves Me) “, Davis rechazó “Waiting for a Star to Fall”, sugiriendo que no le convenía.La canción fue ofrecida y grabada por Belinda Carlisle para su lanzamiento en 1987 Heaven on Earth , ante la insistencia de su sello, pero a Carlisle no le gustó y se negó a incluirla en el álbum. Esta versión, sin embargo, ha circulado en una compilación no oficial de las tomas de ese álbum. 

El solo de saxofón tenor en la versión Boy Meets Girl se proporcionó en una sesión que grabó al principio de la carrera de Andy Snitzer, quien más tarde tuvo éxito como solista. 

R-1115380-1505312938-9419.jpeg

 


Lanzamiento y recepción 

Merrill y Rubicam decidieron grabar la canción ellos mismos para su segundo álbum Reel Life . Lanzado como single el 10 de junio de 1988, se convirtió en un éxito en los Estados Unidos, subiendo lentamente las listas y eventualmente alcanzando el número uno en el Billboard Adult Contemporary Chart  y el número cinco en el Billboard Hot 100. [6] Publicado en el Reino Unido el 30 de noviembre de 1988, la canción alcanzó el número nueve en las listas del Reino Unido durante enero de 1989, después de haber entrado en la lista en diciembre de 1988. También alcanzó el número 35 en las listas ARIA de Australia en abril de 1989.

La canción se usó como la pista de cierre de la película de 1990 Three Men and a Little Lady , y el single se relanzó como un enlace de la película, con una nueva funda con los actores de la película. Alcanzó su punto máximo en el número 76 en el Reino Unido.

El videojuego Grand Theft Auto IV incluyó la canción en la lista de reproducción de la estación de radio del juego Vice City FM. 

Johnny Loftus de AllMusic comentó que la canción era “simplemente clásica” y que “la urgencia a medida que avanza hacia su coro es una clínica para la composición duradera”. 


Video musical

El video de la canción, dirigida por la directora australiana Claudia Castle, presenta escenas de Merrill y Rubicam cantando en una playa y dentro de una casa. También se presentan escenas de un grupo de niños jugando con burbujas, incluida la pequeña hija de la pareja, Hilary. 

Joan Manuel Serrat – Lucia

«Lucía» es una canción del cantautor español Joan Manuel Serrat grabada en 1971. Originalmente forma parte del disco Mediterráneo, el último álbum producido en los estudios de Fonit Cetra​. Se incluyó además en el disco de larga duración Serrat en directo, publicado en 1984. Finalmente, una nueva grabación de esta canción, interpretada en conjunto con Silvio Rodríguez, integra también el disco cuádruple Antología desordenada, una retrospectiva de su obra en 50 canciones seleccionadas por el propio Serrat, editado por Sony en noviembre de 2014 como celebración del 50.° aniversario de su carrera artística.

https://open.spotify.com/album/7h6vVYPUiuDF6KKcqMdE72


La canción es un poema al amor perdido e imposible de olvidar. Describe con sublime melancolía un sentimiento que ha quedado inscrito para siempre en la memoria («Tus recuerdos son cada día más dulces, el olvido sólo se llevó la mitad») como experiencia irrepetiblemente bella («la más bella historia de amor que tuve y tendré»).

El texto lírico de «Lucía», de verso libre y rima asonante, tiene la forma de una carta, escrita con tremenda intensidad emotiva, pero casi a fondo perdido, sin certeza alguna —y más bien sin esperanzas— de que llegue a su destinataria: «es una carta de amor, que se lleva el viento pintado en mi voz, a ninguna parte, a ningún buzón». La canción consta, aparte del estribillo, de dos estrofas iniciales de estructura similar, seguidas por otra estrofa compuesta por versos en donde se describe la experiencia sensible a través de la figura de “si fui esto o aquello fue por tu amor Lucía”. El autor casi no habla de Lucía en el poema, no la describe, no da señas sobre ella, ni ensalza directamente sus características. La letra está centrada en lo que Lucía ha producido en él («si alguna vez fui bello y fui bueno, fue enredado en tu cuello y tus senos»). Lucía es esencialmente maravillosa por cómo lo hizo sentir a él y por la huella imborrable que le ha dejado de esos sentimientos sublimes.

114816370

Muchas veces le han preguntado a Serrat en entrevistas por la existencia real de Lucía, pero el artista elude aportar detalles: «no hay mucho que contar. Como dice el bolero, es lo que pudo haber sido y no fue. Pero también fue lo que fue y, a fin de cuentas, en la vida lo que queda es lo que cuenta».​ Sin embargo, hay versiones periodísticas que señalan que Serrat habría confesado que su canción relata una historia real, de modo que Lucía, según esta fuente, habría sido un viejo amor a quien el cantautor jamás pudo olvidar, llegando incluso a llamarla el día de su boda para recordarle que la seguía amando.

El cantautor cubano Santiago Feliú confirmó en 2011 la versión acerca de la boda de Lucía, revelando que habría escuchado esto directamente de Serrat en 1997. La anécdota aparece en un artículo de prensa en el que Feliú se refiere a la gran influencia que ejerció esta canción en su propia formación como compositor.​ Relata que muchas veces cantó «Lucía» y siempre sostenía que «esta es la mejor canción de amor que existe». Le parecía perfecta porque reunía todas las características deseables para un tema musical de amor: «una melodía ingeniosamente elegante que se podía manejar con la guitarra (aunque la conocí ya orquestada), un texto que combinaba líneas muy directas y otras más metafóricas, y el tema del amor perdido, la nostalgia, cierto desamor por tanto amor».

​Además de confesarle que le parecía una maldad haber llamado a Lucía en el día de su boda, Serrat le habría dicho a Feliú en esa oportunidad que ya no recordaba si había escrito esta canción antes o después de la boda de Lucía, un olvido que a Feliú le pareció muy gracioso.

René León —quien ha mantenido una extensa relación de colaboración y amistad con Serrat durante casi medio siglo, siendo promotor y productor de sus giras en México— se ha referido en entrevistas a la canción «Lucía», señalando que sería una de las canciones más solicitadas por el público en los conciertos y presentaciones en vivo del artista. También él aporta su versión sobre una «Lucía real», relatando que la canción habría sido compuesta para una azafata de la línea aérea Iberia de quien Serrat habría estado enamorado en aquella época, señala además que por aquellos tiempos el artista era «un auténtico galán conquistador, impactante para el género femenino»

El propio autor solo dice que aunque quedó inmediatamente satisfecho con el resultado de su composición en cuanto acabó de escribirla, hubiese preferido no tener que escribir jamás nada como esa canción «porque eso significaría que no habría sufrido por amor».


Leer Más

Genesis – In Too Deep

In Too Deep (en castellano: “Demasiado Profundo”) es la cuarta canción del álbum Invisible Touch del grupo británico Genesis, publicado en 1986.

Fue lanzado como el segundo single del LP, llegando a alcanzar el puesto #3 en EE. UU. mientras que alcanzó el puesto #19 en el Reino Unido. El lado-B de este single era la canción instrumental “Do The Neurotic” en la edición inglesa y “I’d Rather Be You” en las ediciones internacionales. Estas dos canciones pertenecen a las sesiones de grabación del álbum pero no formaron parte del mismo.

Es una de las baladas más favorables para el grupo, solamente igualada por Hold on My Heart de su próximo álbum. Las letras retratan a un hombre intentando comprender porque su amante lo deja.

El video promocional de la canción muestra a los tres integrantes del grupo tocando en un escenario con plataformas. Tony Banks toca un piano de cola, aunque la grabación en sí misma utiliza sintetizadores, mientras que Mike Rutherford toca su guitarra y Phil Collins canta. Fue interpretada de forma regular en la gira de 1986-87, posterior al lanzamiento del álbum pero fue descartada para la siguiente gira en 1992. Una grabación de esta canción en vivo puede encontrarse en el álbum The Way We Walk, Volume One: The Shorts.

vinylnet_intoodeep_1456738008vinylnet065

“In Too Deep” fue interpretada como un cover en el programa orientada a los niños, “Kids Incorporated“; donde se la cambiaron las letras de la canción por un amigo en lugar de un amante. También formó parte de la banda de sonido de la película “Mona Lisa” de 1986, interpretada por el actor británico Bob Hoskins entre otros.

En una entrevista del 2007 en el sitio web de Genesis, Tony Banks y Mike Rutherford resaltaron que “In Too Deep” podría formar parte del repertorio de canciones en los conciertos de Norteamérica durante la gira “Turn It On Again” de ese mismo año. No fue interpretada durante los conciertos por Europa, pero se había planeado que reemplazara a Ripples, ya que “In Too Deep” fue un éxito mayor en América que en Europa. De todas formas, el repertorio de canciones no fue modificado, y la canción no fue interpretada durante esta gira.


Video musical

El video musical de la canción presenta a los tres miembros de la banda tocando en un conjunto minimalista compuesto por pasos y plataformas. Tony Banks toca un piano de cola, aunque la grabación en sí es principalmente eléctrica, mientras que Mike Rutherford imita la guitarra acústica y la voz y batería de Phil Collins.


La canción aparece en la película Mona Lisa durante una secuencia en la que el personaje de Bob Hoskins investiga los establecimientos sexuales de Soho.

En la American 2000 thriller psicológico película American Psycho , Patrick Bateman (interpretado por Christian Bale ) describe la canción como “la canción pop más movimiento de la década de 1980, sobre la monogamia y el compromiso. La canción es muy edificante. La letra es tan positiva y afirmativa como todo lo que he escuchado en el rock “. 

La canción se incluyó en el concierto de Genesis en la lista de canciones solo durante los conciertos estadounidenses de 1986 de Invisible Touch Tour , que comenzó en Detroit , Michigan , el 18 de septiembre de 1986.

« Entradas Anteriores Últimas entradas »