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The Beach Boys – Surfer Girl

Surfer Girl es el tercer álbum de estudio por The Beach Boys y el segundo editado en 1963. El álbum alcanzó el puesto 7 en Billboard Albums permaneciendo en las listas 56 semanas. En el Reino Unido el álbum se editó recién en la primavera de 1967 y alcanzó el puesto 13. Es el primer álbum en donde Brian Wilson aparece en los créditos como productor, posición que Wilson mantendría en los próximos años.

Pitchfork incluyó a Surfer Girl en el puesto 193 en su lista de “los mejores álbumes de los años 1960” de 2017.


Es el tercero en total de 1963. Es el primer álbum en donde se le acredita a Brian Wilson por la producción del mismo. Ese puesto Wilson lo mantuvo hasta Wild Honey, o también hasta el final de SMiLE grabaciones de 1967.

La canción “Surfer Girl” alcanzó el puesto n.º 7 en las listas estadounidenses, se trata de la primera canción que Brian había compuesto en su vida, a la edad de 19 años, usando “When you wish upon a star” como una guía escribiéndolo. Siendo una balada, fue un movimiento algo aventurado editarla en sencillo, pero su calidad venció cualquier potencial riesgo comercial. Su otra cara, “Little Deuce Coupe“, demostró ser el lado B más exitoso, alcanzando el puesto n.º 15 en Estados Unidos y convirtiéndose en una de las canciones más representantes del hot rod.

También se siguió con la tendencia actual de la banda de poner una canción de surf en el lado A y una sobre coches en el lado B de los sencillos. En “Catch a Wave” aparece la hermana de Mike Love, Maureen, en arpa, mientras que “The Surfer Moon” Brian uso por primera vez una sección de cuerdas y re-grabo varias veces su voz sobre sí misma, técnica que también emplea en “Your Summer Dream”, donde la voz esta tratada masivamente con eco, formando un tejido espectral. La inspiración rítmica de “Our car club” parte de “Watermelon man”, un temprano ejercicio tropicalista, escrito por Herbie Hancock e interpretado por Mongo Santamaría en 1963. Fue la primera canción escrita por Brian sin pensar en los Beach Boys como músicos sino simplemente como cantantes. “In My Room” fue la primera canción personal de Brian Wilson: una reflexión acerca de tener un lugar para ir a sentir una sensación de seguridad y protección del estrés de la vida. Surfer Girl era un paso gigante para los Beach Boys, y el primero de muchos.

Una nota interesante: “South Bay Surfer” es co-acreditado a Al Jardine, quien recientemente había vuelto a The Beach Boys en el verano de 1963. Durante un breve período, tanto Al como su suplente David Marks, estuvieron juntos.


Portada

La portada de Surfer Girl tiene a los integrantes (de derecha a izquierda): Dennis WilsonDavid MarksCarl WilsonMike Love y Brian Wilson, sosteniendo la misma tabla de surf que apareció en Surfin’ Safari de 1962. La foto fue tomada por Kenneth Veeder, fotógrafo de Capitol, en Paradise Cove, al norte de Malibú.

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En vivo

La mitad de las canciones del álbum han sido interpretadas en vivo por The Beach Boys o Brian Wilson como solista con una frecuencia variable.

The Doors – Light My Fire

«Light My Fire» es una canción de la banda norteamericana The Doors, de su álbum de debut, grabado en agosto de 1966, y lanzado en enero de 1967.

Alcanzó el número uno en la lista Billboard de Singles pop en 1967, y luego fue re-lanzado en 1968, alcanzando el número 87. La canción fue escrita por Robby Krieger (música/letra), aunque usualmente los créditos son dados a “The Doors”. El tecladista Ray Manzarek añadió el intro.

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La canción representa una pareja “llegando alto” (getting high), lo cual puede entenderse como una alusión a la pasión sexual pero es también un término callejero para la sensación eufórica de la gente cuando se droga; lo cual motivó que el presentador de televisión Ed Sullivan pidiese al grupo que modificase la letra si querían cantarla en su programa. Inicialmente la banda accedió, pero llegado el momento Jim Morrison hizo caso omiso y cantó la letra original.

Light My Fire” ha sido versionada por infinidad de figuras, tanto en discos como en actuaciones en vivo. Las versiones que destacan son las de Astrud GilbertoWill Young (cuya versión alcanzó el número uno en el Reino Unido), Amii Stewart (número 6 en el Reino Unido en 1979, y número 8 en el remix de 1985), José Feliciano (Grammy en 1969 por la mejor canción pop del año), Nancy SinatraJulie Driscoll& the Brian Auger Trinity, SantanaShirley BasseyCibo MattoDivididosUB40Massive AttackAmorphisHideMinnie RipertonStevie WonderAl GreenAnanda Shankar y Train (aparece en el compilado Stoned Immaculate: The Music of The Doors). Incluso viejas divas de Hollywood como Marlene Dietrich y Mae West la han cantado.

Light My Fire” es un buen ejemplo del rock psicodélico, y marca los principios básicos de lo que será el jazz rock de los setenta, pero siempre cimentado en el blues. Buena muestra de ello son los largos y, aparentemente, improvisados solos (por esto la canción fue acortada de siete a tres minutos para su versión de la radio). Su progresión armónica y ritmo pegajoso (particularmente la introducción de Ray Manzarek) lo hicieron que vendiera rápidamente en los mercados pop.

Se destaca particularmente una aparición de The Doors en The Ed Sullivan Show. Se les pidió que cambiaran ciertas partes de la letra, específicamente la línea “nena, no podríamos habernos colocado más” a “nena, no podríamos haberlo hecho mejor” (“girl, we couldn’t get much higher” a “girl, we couldn’t get much better”), para hacerlo más adecuado para una audiencia “de costa a costa”. La banda prometió hacerlo, pero según Jim Morrison, olvidó cambiar la letra en el último momento, y cantó la versión original. Él atribuye este hecho a que estaba muy nervioso.6​ Sin importar los aplausos del público, Ed Sulivan estaba tan molesto que se negó a estrechar la mano de Morrison cuando bajó del escenario, y la banda quedó vetada de aparecer de nuevo en el show. Morrison comentó, “Hey, simplemente hicimos el show de Sullivan”.

Otra anécdota con esta canción fue cuando la compañía de autos Buick quería usar la canción en un comercial de TV con la letra “Come on, Buick, light my fire” y le ofreció al grupo alrededor de US$100.000. Densmore, Manzarek y Krieger aceptaron mientras Jim Morrison estaba fuera de la ciudad, pero cuando volvió y se dio cuenta de esto, rompió el trato de inmediato.

Esta canción estuvo número 35 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos..


El vocalista y guitarrista José Feliciano experimentó cierto éxito internacional cuando lanzó su propia versión de “Light My Fire” en 1968. Su versión mezcla el sonido del rock estadounidense, con sus influencias latinas, y un poco de guitarra clásica y flamenco. Este sencillo le ayudó con el éxito de su álbum Feliciano!, qué fue nominado para algunos Premios Grammy.  

El compositor Robby Krieger dijo en una entrevista sobre la versión: “Es realmente una gran sensación haber escrito un clásico. Creo que tengo una gran deuda con José Feliciano porque en realidad fue él, cuando la versionó, todos comenzaron a hacerlo. Hizo un arreglo totalmente diferente “.

El arreglo de José Feliciano influenció varias versiones que vinieron después, incluyendo la de Will Young.


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The Archies — Sugar Sugar

«Sugar, Sugar» es una canción del género bubblegum pop escrita por Jeff Barry y Andy Kim. Fue interpretada en 1969 por la banda de dibujos animados The Archies.

Producida por Jeff Barry, la canción fue lanzada originalmente en el álbum de The Archies Everything’s Archie. El álbum era el producto de un grupo de músicos de estudio dirigido por Don Kirshner. Las voces fueron interpretadas por Ron Dante, Toni Wine y Andy Kim.


Lanzamiento

Cuando el sencillo fue lanzado inicialmente, Kirshner entregó la canción a los ejecutivos de las emisoras de radio sin decirles el nombre del grupo, debido a la decepcionante evolución del anterior sencillo Bang-Shang-a-Lang, que solo llegó al número 22 del Billboard Hot 100. Solo cuando la mayoría de los Djs dijeron que era una buena canción, les informó que había sido grabada por un grupo de dibujos animados. La canción terminó como uno de los mayores y más inesperados número uno del año, tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña, gracias a la asociación del sencillo con el éxito en la cadena de televisión CBS de la serie de dibujos animados El Show de Archie y sus amigos.


Listas de éxitos

Alcanzó la cima del RMP 100 de Canadá el 13 de septiembre de 1969, donde se mantuvo durante tres semanas. Fue número uno del Billboard Hot 100 el 13 de septiembre del mismo año manteniéndose durante cuatro semanas y estuvo 8 semanas en la cima de las listas de sencillos del Reino Unido. Ocupa el número 63 en la lista de las mejores canciones de todos los tiempos de The Billboard Hot 100 All-Time Top Songs.

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Versiones y apariciones

La canción fue también interpretada en español en 1969 por Los Mismos. Sugar, Sugar fue grabada por el grupo holandés Stars on 45 como parte de su medley Stars on 45,​ que alcanzó el número 1 en las listas de EE.UU. en junio de 1981.

La canción aparece en la banda sonora de la película Now and Then y se utiliza como tema de apertura en la serie de televisión estadounidense Cake Boss.



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Elvis Presley – Return To Sender

«Return to Sender» es una canción de 1962 grabada por Elvis Presley y publicada por Elvis Presley Music. El tema fue escrito por Winfield Scott y Otis Blackwell.

La canción fue grabada el 27 de marzo de 1962, en los estudios Radio Recorders de Hollywood.

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Trata de un hombre que envía una carta a su novia después de una discusión. Ella la rechaza continuamente escribiendo “Return to Sender” (devolver al remitente); sin embargo, ella sigue recibiendo la carta y la sigue regresando al remitente con varias razones, incluyendo “dirección desconocida” y “ninguna persona”. La trama central de la historia es que el hombre sigue enviando cartas, negándose a creer que la relación haya terminado.

La canción fue interpretada por Presley en la película Girls! Girls! Girls!, protagonizada por él mismo y Stella Stevens.


El sencillo alcanzó el número 1 en las listas británicas, durante las Navidades de 1962. En Estados Unidos llegó al número 2 de la lista Billboard Hot 100 y al número 1 en las listas Cash Box y Music Vendor . También entró en las listas R&B, alcanzando el puesto número 5.


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Creedence Clearwater Revival – I Heard It Through The Grapevine

” I Heard It Through the Grapevine ” es una canción escrita por Norman Whitfield y Barrett Strong para Motown Records en 1966. La primera grabación de la canción que se lanzará fue producida por Whitfield para Gladys Knight & the Pips y se lanzó como single en septiembre 1967; fue al número dos en la lista de Billboard.

The Miracles grabó la canción primero e incluyó su versión en su álbum de 1968, Special Occasion .

 La versión de Marvin Gaye se colocó en su álbum de 1968 In the Groove , donde llamó la atención de los disc jockeys de radio, y el fundador de Motown, Berry Gordy, finalmente acordó su lanzamiento como single en octubre de 1968, cuando llegó a la cima de la cartelera. Pop Singles chart durante siete semanas desde diciembre de 1968 hasta enero de 1969 y se convirtió durante un tiempo en el single más exitoso de la etiqueta Motown (Tamla).

La grabación de Gaye se ha convertido en un clásico del soul aclamado, y en 2004, se colocó en el puesto 81 en la lista de Rolling Stone de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos . En el cuadragésimo aniversario conmemorativo de la edición Billboard Hot 100 de la revista Billboard en junio de 2008, “Grapevine” de Marvin Gaye ocupó el sexagésimo quinto lugar. También fue incluido en el Grammy Hall of Fame por su valor “histórico, artístico y significativo”.


Además de ser lanzada varias veces por artistas de Motown, la canción ha sido grabada por una variedad de músicos, incluyendo Creedence Clearwater Revival, quienes hicieron una interpretación de once minutos para su álbum de 1970, Cosmo’s Factory ; y se ha utilizado dos veces en comerciales de televisión, cada vez con músicos de sesión que recrean el estilo de la versión de Marvin Gaye: el comercial de 1985 Levi’s , “Launderette”, con el modelo masculino Nick Kamen , y la promoción de pasas de California de 1986 con Buddy Miles como cantante para el grupo de animación de arcilla The California Raisins .

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Bob Dylan – Like a Rolling Stone

«Like a Rolling Stone» es una canción de 1965 del cantautor estadounidense Bob Dylan. Su letra reivindicativa proviene de un poema que Dylan escribió en junio de dicho año, cuando regresó extenuado de una gira agotadora por Inglaterra. Después de que se revisara la letra numerosas veces, «Like a Rolling Stone» se grabó unas pocas semanas después en parte de las sesiones para su siguiente álbum de estudio, Highway 61 Revisited.

Durante una preproducción difícil de dos días, Dylan luchó para hallar la esencia de la canción; se grabó un demo carente de éxito en compás de 3/4. Se hizo un avance cuando se intentó grabar en formato de rock y el músico de sesión novato Al Kooper improvisó el riff de órgano por el que la canción es conocida. Sin embargo, Columbia Records no estaba satisfecha con ella debido a sus seis minutos de duración y su sonido eléctrico y pesado, por lo que no estaba segura sobre su lanzamiento. Sólo cuando un mes después se filtró una copia del tema y disc jockeys influyentes la escucharon se puso a la venta como sencillo. Aunque las emisoras de radio eran reacias a transmitir una canción tan larga, «Like a Rolling Stone» alcanzó el segundo puesto en las listas de Estados Unidos y se convirtió en un éxito internacional.

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Se ha descrito el tema como revolucionario en su combinación de diferentes elementos musicales, el sonido jovial y cínico de la voz de Dylan y la asertividad de la pregunta del estribilloHow does it feel? («¿Qué se siente?»). «Like a Rolling Stone» transformó la carrera de Dylan y todavía se la considera una de las composiciones más influyentes en la música popular de la posguerra.

Desde su lanzamiento fue un hito tanto en la música como en la cultura popular que elevó la figura de Dylan hasta volverla icónica. Artistas variados como The Jimi Hendrix ExperienceThe Rolling StonesThe Wailers y Green Day realizaron versiones de la canción. En castellano, podemos encontrar la versión del grupo Mamá (Cómo lo ves) y por el grupo M-Clan (Sin Rumbo Y Sin Dirección). Además, la revista Rolling Stonela colocó en el número 1 de su lista de las «500 mejores canciones de todos los tiempos».


En la primavera de 1965, al regresar de la gira por Inglaterra documentada en la película Dont Look Back, Dylan estaba insatisfecho con las expectativas del público en cuanto a él, así como la dirección que su carrera estaba tomando; consideró seriamente retirarse del negocio de la música. En una entrevista de 1966 con Playboy comentó sus sentimientos: «La primavera pasada creía que iba a dejar de cantar. Estaba agotado y la dirección que estaban tomando las cosas, era una situación extenuante. Pero “Like a Rolling Stone” cambió todo. Digo, fue algo que yo mismo pude crear. Cansa mucho que otra gente diga todo lo que crea por ti si tú no creas por ti mismo».3​ Los cimientos de la canción provienen de un poema extenso. En 1966, Dylan describió los orígenes de «Like a Rolling Stone» al periodista Jules Siegel:

«Tenía diez páginas. No tenía título, [consistía en] unas rimas en un papel, todo sobre mi odio estable dirigido hacia algún punto que era honesto. Al final, no era odio, era decirle a alguien algo que no sabía, decirle que tenía suerte. Venganza, esa es una palabra mejor. Nunca había pensado en esto como una canción, hasta que un día estaba en el piano con el papel y cantando How does it feel? (“¿Cómo se siente?”) a cámara lenta, extremadamente lenta».

Durante 1965, Dylan escribió prosa, poemas y canciones tecleando incesantemente. Algunas fotografías de Dylan en su habitación en el Savoy Hotel de Londres capturan este proceso en Dont Look Back. Sin embargo, comentó en dos entrevistas que «Like a Rolling Stone» comenzó como un largo «vómito» (en una de ellas, mencionó diez páginas; en la otra, veinte) que luego cobró forma musical.​ Nunca había hablado así de alguna otra de sus grandes composiciones. En una entrevista con la radio CBC en Montreal, Dylan llamó a la creación del tema una «innovación» y explicó que cambió su percepción de hacia dónde estaba yendo con respecto a su carrera. Dijo que se encontró componiendo «este largo vómito de 20 páginas; de allí tomé “Like a Rolling Stone” y la hice un sencillo. Y nunca había escrito algo como eso antes y de pronto supe que eso debía hacer. Tras haber escrito eso no estaba interesado en escribir una novela o una obra de teatro. Ya tenía más que suficiente, quería componer canciones».

A partir de la versión extensa en papel, Dylan escribió cuatro estrofas y el estribillo en WoodstockNueva York.​ La canción se compuso en un piano vertical en la tonalidad de sol , aunque se cambió a do en guitarra durante la grabación.​ Dylan invitó a Mike Bloomfield, guitarrista principal de Paul Butterfield Blues Band, para que tocara en la sesión de grabación. Dylan le invitó a su casa de Woodstock un fin de semana para que viera el nuevo material; Bloomfield recordó más tarde: «Lo primero que escuché fue “Like a Rolling Stone”. Pensé que quería blues, cuerdas dobladas, porque eso es lo que hago. Dijo: “Hey, hombre, no quiero nada de esas cosas de B.B. King“. Así que, bueno, me desmoroné. ¿Qué rayos quiere? Dimos vueltas en torno a la canción. Toqué lo que él hizo y dijo que tenía groove».

Las sesiones de grabación fueron producidas por Tom Wilson entre el 15 y el 16 de junio de 1965 en el estudio A de Columbia Records, en el número 799 de la séptima avenida de la ciudad de Nueva York. Además de Bloomfield, los otros músicos que participaron fueron Paul Griffin en el pianoJoe Macho Jr. en el bajoBobby Gregg en la batería y Bruce Langhorbe en la pandereta; además, fue Wilson quien contrató a todos.​ Gregg y Griffin habían trabajado anteriormente con Dylan y Wilson en Bringing It All Back Home.

El primer día, se grabaron cinco tomas de la canción en estilos marcadamente diferentes al posterior lanzamiento del tema en compás de 3/4, con Dylan en el piano. La falta de partitura indica que la canción se tocó de oído. Sin embargo, la esencia del tema se descubrió en el transcurso de una sesión caótica. No se llegó al primer estribillo hasta la cuarta toma, pero tras la parte de armónica Dylan interrumpió, diciendo: «Mi voz se ha ido, hombre. ¿Quieres intentarlo de nuevo?». Esta toma se lanzó posteriormente en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991La sesión terminó poco después.

Cuando se retomaron las sesiones al día siguiente, 16 de junio, Al Kooper se unió al equipo. Se suponía que Kooper, en aquel entonces un guitarrista de sesión de 21 años, no tocaría, pero se encontraba presente como invitado de Wilson.​ Cuando Wilson salió, Kooper se sentó con su guitarra entre los otros músicos deseando tomar parte en la sesión. Cuando Wilson regresó, Kooper, intimidado por la forma de tocar la guitarra de Bloomfield, estaba de nuevo en la sala de control. Tras un par de tomas de prueba, Wilson cambió a Griffin del órgano Hammond al piano. Kooper luego acudió a Wilson para decirle que tenía un buen pasaje de órgano. Wilson menospreció el talento de Kooper para tocar dicho instrumento, pero el guitarrista afirmó más tarde: «Simplemente como que se burlaba de mí. […] No dijo “no”, así que fui para allá». Wilson, aunque sorprendido de ver a Kooper tocando el órgano, dejó que tocase en el tema. Tras escuchar una reproducción de la canción, Dylan insistió en que el órgano debía sonar más fuerte en la mezcla, pese a las objeciones de Wilson en que Kooper «no era un organista».

En esta sesión se grabaron quince tomas.​ En ese momento, la canción ya poseía su formato familiar, en compás de 4/4 y Dylan en la guitarra eléctrica. Tras la cuarta toma, que fue la que finalmente se puso a la venta como sencillo, Wilson comentó: «Esto suena bien, para mí».​ No obstante, Dylan y la banda grabaron la canción once veces más.


Lanzamiento

Según Shaun Considine, quien coordinaba los lanzamientos de Columbia Records en 1965, «Like a Rolling Stone» se relegó al principio al «cementerio de los lanzamientos cancelados» debido a las preocupaciones de los departamentos de ventas y mercadotecnia en cuanto a su duración sin precedentes de seis minutos y su sonido de rock «estridente». En los días sucesivos al rechazo, Considine llevó una versión descartada de la canción a una discoteca llamada Arthur, abierta en forma reciente y concurrida por celebridades y gente de la industria musical.​ Debido a la insistencia de la multitud, se reprodujo el demo una y otra vez, hasta que finalmente se desgastó. A la mañana siguiente, un disc jockey y director de programación de las cuarenta principales estaciones de radio de la ciudad llamó a Columbia Records y le pidió copias. Poco después, el 20 de julio de 1965, «Like a Rolling Stone» se publicó como sencillo, con «Gates of Eden» como lado B.

Pese a su duración, la canción se convirtió en el mayor éxito de Dylan hasta la fecha y permaneció en las listas estadounidenses durante doce semanas, además de llegar al segundo puesto, sólo superado por «Help!» de la banda británica The Beatles. Las copias promocionales entregadas a los disc jockeys el 15 de julio tenían las dos primeras estrofas y dos estribillos en uno de sus lados, mientras que el resto de la canción estaba ubicado en el reverso, por lo que quien quisiera reproducir la canción en su totalidad debía voltear el disco de vinilo.​ Mientras que muchas emisoras de radio eran reacias a transmitir el tema entero, la demanda pública obligó posteriormente a reproducirlo de este modo. Esto ayudó al sencillo a llegar a su posición máxima en el segundo lugar varias semanas tras su puesta a la venta.​ Ingresó al top 10 en otros países, entre los que se cuentan CanadáIrlandaPaíses Bajos y el Reino Unido.


Temática

A diferencia de los éxitos de las listas de aquel entonces, la letra de «Like a Rolling Stone» no es acerca del amor, sino que expresa resentimiento y un clamor de venganza.​ El escritor Oliver Trager la describió como «la burla de Dylan hacia una mujer que ha caído en desgracia y se ve reducida a defenderse en un mundo hostil, no familiar».​ Hasta ahora, la persona a quien se dirige la canción, Miss Lonely («Señorita Solitaria»), había tenido una vida fácil, había asistido a las mejores escuelas y tenía amigos de alto nivel social, pero ahora que su situación se vuelve difícil, no tiene experiencias significativas en las que pueda basar su carácter. Los primeros versos de la canción establecen las condiciones iniciales de la mujer:

Once upon a time you dressed so fine
Threw the bums a dime in your prime, didn’t you?
«Hace tiempo, vestías tan bien
Tirabas centavos a los pobres en tu mejor época, ¿no?»

La primera estrofa acaba con versos que resaltan su situación en ese momento:

Now you don’t talk so loud
Now you don’t seem so proud
About having to be scrounging your next meal
«Ahora ya no hablas tan alto
Ahora ya no pareces tan orgullosa
De tener que estar mendigando tu próxima comida».

Pese a la hostilidad, la canción también muestra compasión por Miss Lonely, como así alegría en la libertad que conlleva haber perdido todo.​ Jann Wenner comentó que «se ha eliminado todo. Estás solo, eres libre ahora. Estás tan impotente que ahora no te queda nada más. Y eres invisible —no tienes secretos—, eso es tan liberador. No tienes que temer nada más».​ La última estrofa termina con los versos:

When you ain’t got nothing, you got nothing to lose
You’re invisible now, you got no secrets to conceal
«Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder
Eres invisible ahora, no tienes secretos que ocultar».

El estribillo hace énfasis en esta temática:

How does it feel
How does it feel
To be on your own
With no direction home
Like a complete unknown
Like a rolling stone
«¿Cómo se siente?
¿Cómo se siente?
Estar sola
Sin rumbo de vuelta a casa
Como una completa desconocida
Como una trotamundos».

El biógrafo de Dylan Robert Shelton resumió el significado del tema y la describió como «una canción que parece resumir la vida arrojada de los que pueden sentir compasión por los que han sido expulsados de la burguesía. “Like a Rolling Stone” trata sobre la pérdida de la inocencia y la crudeza de la experiencia. Los mitos, los patrones y las viejas creencias se desmoronan para revelar una realidad muy difícil».​ En tono humorístico, Dylan comentó la perspectiva moral de «Like a Rolling Stone» en una conferencia de prensa en un estudio de la cadena televisiva KQED el 3 de diciembre de 1965. Un periodista sugirió al artista que la canción tiene una opinión dura sobre una chica y preguntó: «¿Quieres cambiar sus vidas? ¿O quieres señalar sus errores?» Riendo, Dylan contestó: «Quiero sacarlos de quicio».

Algunos comentaristas han tratado de localizar los personajes del tema en personas específicas del círculo de Dylan en 1965. En su libro POPism: The Warhol ’60sAndy Warhol recordó que ciertas personas de su círculo opinaban que «Like a Rolling Stone» contenía referencias hacia el cineasta; se le dijo: «Escucha “Like a Rolling Stone”: creo que eres el diplomático en el caballo de cromo, hombre».​ Se supone que la razón de esta hostilidad de Dylan hacia Warhol fue el tratamiento de este último hacia la actriz y modelo Edie Sedgwick. También se sugirió que en Sedgwick se basa el personaje principal de la canción, Miss Lonely.​ La actriz estuvo relacionada por poco tiempo con Dylan a fines de 1965 y principios de 1966 y en ese tiempo pensaban filmar una película juntos.​ Según el colaborador de Warhol Paul Morrissey, Sedgwick había estado enamorada de Dylan y se sorprendió cuando descubrió que el cantante se había casado secretamente con Sara Lownds en noviembre de 1965.​ Sin embargo, en The Bob Dylan Encyclopedia Michael Gray sostiene que Sedgwick no tenía relación con «Like a Rolling Stone», pero afirma que «no hay duda de que el fantasma de Edie Sedgwick flota sobre Blonde on Blonde».

El escritor estadounidense Greil Marcus aludió a una opinión del historiador del arte Thomas Crow, que consistía en la idea de que Dylan había compuesto la canción como comentario a una escena de Warhol: «Escuché una lectura de Thomas Crow acerca de que “Like a Rolling Stone” trata sobre Edie Sedgwick dentro del círculo de Andy Warhol; como si Dylan hubiera visto desde afuera [lo que pasaba] sin involucrarse personalmente con ninguno de los dos, sino como algo que vio y lo asustó, vio el desastre avecinándose y compuso una canción como advertencia; fue convincente». También se sugirió que Joan BaezMarianne Faithfull y Bob Neuwirth podrían haber sido objeto del desprecio de Dylan.

​ El biógrafo de Dylan Howard Sounes advirtió que no se debe reducir el tema a la biografía de una sola persona y sugirió que «es más probable que la canción apuntara a quienes [Dylan] percibía como “falsos”». Sounes agregó que «hay cierta ironía en el hecho de que una de las canciones más famosas de la época del folk rock —una época asociada principalmente con ideales de paz y armonía— sea una sobre la venganza».

Mike Marqusee escribió numeroso material sobre los conflictos de la vida de Dylan en este período, entre los que se destacan su alejamiento de su viejo público del resurgimiento del folk y sus causas de marcado corte izquierdista. Sugiere que el tema es probablemente auto referencial y comentó: «La canción adquiere plena intensidad cuando uno cae en la cuenta de que está dirigida, al menos en parte, al mismo cantante: es quien no tiene “la dirección de casa”».​ Dylan mismo recalcó que tras su accidente en motocicleta de 1966 tomó conciencia de que «cuando usaba palabras como “él”, “esto” y “ellos” y estaba hablando de otras personas, en realidad estaba hablando de mí».


Interpretaciones en directo

Dylan tocó «Like a Rolling Stone» en directo por primera vez cinco días después de su lanzamiento, en el Festival de Folk de Newport el 25 de julio de 1965.​ Según Jonathan Taplin, uno de los encargados del festival, la decisión de hacer su segundo set eléctrico se debió a ciertos comentarios condescendientes hechos por el organizador Alan Lomax acerca del grupo de blues The Paul Butterfield Blues Band. Al parecer, esto molestó a Dylan, que adoptó una actitud de «bueno, que les jodan si creen que pueden dejar la música eléctrica fuera de aquí. Lo haré yo mismo». Esa misma noche reunió y ensayó con el grupo de Paul Butterfield, entre ellos dos de los músicos que habían grabado el sencillo, Mike Bloomfield y Al Kooper, con la adición de Jerome Arnold al bajoSam Lay en la batería y Barry Goldberg al piano.

Muchos entusiastas del folk en el público se mostraron contrarios al uso de instrumentos eléctricos en el festival, despreciando el rock and roll que, en palabras de Boomfield, era visto como popular entre «rebeldes, antisistema y juerguistas; gente que se emborracha y baila». Según el amigo de Dylan y crítico musical Paul Nelson, «el público [estaba] abucheando y gritando “deshazte de la guitarra eléctrica”», mientras que Dylan y sus músicos hacían una interpretación algo vacilante de su nuevo sencillo.​ Una grabación completa en video puede encontrarse en el documental The Other Side of the Mirror.

Highway 61 Revisited se lanzó a finales de agosto de 1965. Cuando Dylan salió de gira ese otoño, «Like a Rolling Stone» ocupó el lugar de cierre en su programa y la tocó, con pocas excepciones, hasta el final de su gira mundial de 1966. El 17 de mayo de dicho año, durante el último segmento de la gira, Dylan y su banda tocaron en el Free Trade Hall de MánchesterInglaterra. Poco antes de que empezaran a tocar el tema, alguien entre el público gritó «¡Judas!», en referencia a la supuesta traición de Dylan a la escena folk. El cantante contestó: «No te creo, ¡eres un mentiroso!». Tras esto, se dirigió a la banda y les dijo: «Tocadla jodidamente fuerte».​ Esta versión puede escucharse en The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The “Royal Albert Hall” Concert y en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack, y verse en el documental de Martin Scorsese No Direction Home.

Desde entonces, «Like a Rolling Stone» permaneció constante en los conciertos de Dylan, frecuentemente con arreglos diferentes.​ Se incluyó en su concierto del 31 de agosto de 1969 en la Isla de Wight (grabación publicada en el álbum Self Portrait), en su gira junto a The Band en 1974 (interpretación del 13 de febrero publicada en Before the Flood) y en la gira Rolling Thunder Revue de 1975 a 1976. La canción siguió presente en otras giras a lo largo de las décadas de 1970 y 1980. En la gira Never Ending Tour, que comenzó en 1988, «Like a Rolling Stone» fue una de las cinco canciones más tocadas, con 653 interpretaciones registradas hasta el año 2005.

Además de en Highway 61 Revisited, el tema puede encontrarse en cuatro álbumes oficiales: Bob Dylan’s Greatest HitsBiographThe Essential Bob Dylan y Dylan. Además, la versión del tema en compás de 3/4 se puede encontrar en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991. Otras interpretaciones en directo del tema se encuentran en Bob Dylan at BudokanMTV Unplugged y en el disco de The Band Rock of Ages.


Legado

El sonido de la canción fue revolucionario en su combinación de pasajes de guitarra eléctrica, acordes de órgano y la voz de Dylan, jovial y a la vez burlonamente cínica.​ El crítico Michael Gray la describió como «una amalgama caótica de bluesimpresionismoalegoría y una asertividad intensa en el estribillo principal: How does it feel? (“¿Cómo se siente?”)». El tema tuvo un impacto enorme en la cultura popular y en la música rock. Su éxito hizo de Dylan un ícono pop, como Paul Williams resalta:

«Dylan había sido famoso, había sido el centro de atención durante mucho tiempo. Pero ahora la cuota estaba subiendo otra vez. Se convirtió en una estrella del pop, como así en una estrella del folk […] y fue, más que The Beatles, un símbolo público de los grandes cambios generacionales en la cultura y la política que estaban teniendo lugar en los Estados Unidos y en Europa. Se lo percibió y funcionó de muchas formas como un líder».

El productor discográfico Paul Rotchild, quien produjo los cinco primeros álbumes de The Doors, recordó el júbilo que le ocasionó el hecho de que un músico estadounidense hiciera una canción que desafiara con éxito la primacía de los grupos de la invasión británica. Comentó: «De lo que tomé conciencia cuando estaba sentado allí fue que uno de Estados Unidos —uno de los llamados inconformistas de Greenwich Village— estaba haciendo música que podía competir con ellos —The Beatles, The [Rolling] Stones y The Dave Clark Five— sin sacrificar la integridad de la música folk ni el poder del rock and roll».

La canción tuvo un impacto enorme en Bruce Springsteen, que tenía quince años la primera vez que la escuchó. Springsteen describió este momento en su discurso de introducción a Dylan en el Salón de la Fama del Rock en 1988 y también analizó el sentido de «Like a Rolling Stone»:

«La primera vez que escuché a Bob Dylan estaba en el auto con mi madre escuchando WMCA y luego siguió aquel golpe de caja que sonó como si alguien hubiera abierto la puerta de tu mente de una patada. De la forma en que Elvis libera tu cuerpo, Dylan libera tu mente y nos demostró que porque la música es física, eso no quiere decir que sea antiintelectual. Tenía la visión y el talento para componer una canción de pop de forma que contuviera el mundo entero. Inventó una nueva forma en que un cantante de pop pudiera sonar, traspasó las limitaciones de lo que una canción podía alcanzar y cambió la cara del rock and roll para siempre».

Los contemporáneos de Dylan en 1965 se sorprendieron y se vieron desafiados por el sencillo. Paul McCartney recordó haber ido a la casa de John Lennon en Weybridge para escuchar la canción. Según el bajista: «Parecía durar para siempre. Era simplemente hermosa. Nos mostró a todos que era posible ir un poquito más lejos».​ Frank Zappa tuvo una reacción más extrema: «Cuando escuché “Like a Rolling Stone” quise dejar el negocio de la música porque sentí: “Si esto triunfa y hace lo que se supone que debe hacer, no necesito hacer nada más…”. Pero no hizo nada. Se vendió, pero nadie respondió [a la canción] como debería haber hecho».​ Cerca de cuarenta años más tarde, en 2003, Elvis Costello recalcó la calidad innovadora del sencillo: «Qué cosa sorprendente [debe ser] vivir en un mundo donde estaba Manfred MannThe Supremes y Engelbert Humperdinck; luego viene “Like a Rolling Stone”».

Aunque CBS intentó hacer la canción más apta para la radio cortándola por la mitad y distribuyéndola en ambos lados de los discos de vinilo, Dylan y sus fans demandaron que la canción entera se colocara de un solo lado y que las radios la transmitieran en su totalidad. El posterior éxito de «Like a Rolling Stone» tuvo un papel importante en cambiar la convención del negocio de la música que se apoyaba en que los sencillos debían tener menos de tres minutos de duración. El elenco surrealista de personajes y el ingenio verbal de Dylan también representaron una innovación en los sencillos del top 10.​ Según las palabras de Rolling Stone: «Ninguna otra canción de pop ha desafiado y transformado tan profundamente las convenciones comerciales y artísticas de su tiempo para siempre».

En 1966, Dylan dijo a Ralph Gleason: «”Rolling Stone” es la mejor canción que compuse».​ En 2004, hablando con Robert Hilburn, Dylan consideró que todavía la canción tenía un lugar especial en su trabajo: «Es como si un fantasma compone una canción como esa, te la da y desaparece. No sabes qué significa, excepto que el fantasma me eligió para que componga la canción».

Más de cuarenta años desde su lanzamiento, «Like a Rolling Stone» sigue siendo considerada en las encuestas de críticos y otros compositores. El sitio agregador de listas Acclaimed Music establece que se trata del tema más aclamado por los críticos de todos los tiempos.​ Una lista de 2002 elaborada por Uncut y una encuesta de 2005 de Mojo ubicaron el tema de Dylan en el primer puesto.

​ En cuanto a su punto de vista con respecto a dichas encuestas, Dylan dijo a Ed Bradley en una entrevista de 2004 para 60 Minutes que nunca les presta atención porque cambian con frecuencia. En la encuesta sobre las cien mejores canciones de todos los tiempos, llevada a cabo por Mojo en 2000, se incluyeron dos sencillos de Dylan; no así «Like a Rolling Stone». Cinco años más tarde, la revista la nombró su canción número uno.​ Rolling Stone eligió el tema como el segundo mejor sencillo de los últimos veinticinco años en 1989 y en 2004 la ubicó en el primer puesto de su lista de las quinientas mejores canciones de todos los tiempos.


Versiones de otros artistas

El guitarrista Jimi Hendrix realizó una versión de la canción en directo junto a su banda The Jimi Hendrix Experience.

Hendrix fue un gran fan de Bob Dylan y le gustaba especialmente «Like a Rolling Stone». Al respecto, comentó: «Me hizo sentir que no era el único que se sentía tan deprimido».​ Tras la segunda estrofa, el guitarrista pasó a la cuarta. Tocó la guitarra eléctrica y el crítico Greil Marcus describió la atmósfera de la versión de Hendrix:

«Acordes tremendos aparecían en el comienzo de cada frase como nubes de tormenta; la melodía se toca muy lenta [y] el acento pesado y callejero de Hendrix no sonaba como la tormenta de polvo del medio oeste de Dylan».


Numerosos artistas han realizado versiones de «Like a Rolling Stone», entre los que se incluyen Johnny ThundersThe Four SeasonsThe RascalsJudy CollinsJohnny WinterCherThe Rolling StonesMick Ronson con David BowieSpiritMichael BoltonThe CreationDavid GilmourJohn Mellencamp,​ The Wailers y Green Day

También se realizaron versiones de la canción en varios idiomas. Hugues Aufray realizó una versión en francés llamada «Comme des pierres qui roulent», dentro de su álbum de 1995 Aufray Trans Dylan.​

El cantautor austríaco Wolfgang Ambros incluyó una versión en un dialecto austríaco-germano llamada «Allan Wia a Stan» en su álbum de 1978 Wie Im Schlaf, que permaneció en la octava posición en las listas austríacas por ocho semanas.​

La banda alemana Bap creó una versión en kölsch del tema, conocida como «Wie ‘ne Stein» para su álbum Vun drinne noh drusse y Lars Winnerbäck interpretó la canción bajo el título en sueco «Som en hemlös själ», literalmente «Como un alma sin hogar».

 Articolo 31 grabó una versión italiana titulada «Come una pietra scalciata» (literalmente, «Como una piedra pateada») para su álbum en 1998 Nessuno.

 La versión de esta banda tiene un estilo basado en el hip hop y contiene sobre grabaciones de una voz de mujer confundida, partes de rap y turntablism. Por otra parte, sólo posee tres estrofas y cuatro minutos y medio de duración.


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The Beatles – Yesterday

«Yesterday» es una canción compuesta por Paul McCartney, grabada en 1965 para el álbum Help!, de The Beatles. Es la que más transmisiones radiales ha tenido en todo el mundo, con más de seis millones de emisiones en los Estados Unidos.​ También és la canción más versionada en la historia de la música popular con unas 1600 interpretaciones  de las versiones más conocidas resalta la que hizo Elvis Presley. La Broadcast Music, Inc. (BMI) afirma que en el siglo XX, fue interpretada cerca de siete millones de veces.

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Es una balada melancólica de dos minutos y tres segundos. Fue la primera composición oficial de The Beatles donde un solo integrante de la banda grababa un tema: Paul McCartney, que fue acompañado por un cuarteto de cuerdas. La composición se diferencia de los trabajos anteriores del grupo, por lo que el resto de los integrantes no aceptaron que se editara como sencillo en el Reino Unido.

En 2002, McCartney preguntó a Yoko Ono si podía invertir los créditos de la composición, de tal manera que se leyera “McCartney/Lennon”. Ono se negó.


De acuerdo con los biógrafos de McCartney y The Beatles, McCartney compuso la melodía completa en un sueño que tuvo en la casa de su novia Jane Asher y su familia en Londres, en la calle Wimpole.​ Al despertarse, fue al piano, puso en funcionamiento una grabadora de cintas y la tocó, para no olvidarla junto con su sueño.​ Al principio, temió haber plagiado una composición existente:

“Durante cerca de un mes fui a ver gente del negocio de la música, preguntándoles si conocían esa melodía. Fue como si hubiera encontrado algo que debía entregar a la policía. Pensé que si en unas semanas nadie la reclamaba entonces sería mía”.

Después de convencerse de que no había tomado la melodía de otra composición, McCartney empezó a hacerse cargo de la letra que la acompañaría. Tenía el título “Scrambled Eggs” (en español: “Huevos revueltos”), mientras encontraba la letra y un título más adecuado. En su biografía, Many Years From Now, McCartney dijo:

“Lo primero que hice con la melodía fue verificar si no tenía dueño, y la gente me dijo: ‘No, es encantadora, y estoy seguro de que es toda tuya’. Me tomó un poco de tiempo asegurarme que no pertenecía a alguien, pero como un buen buscador, finalmente la reclamé como mía; al principio no sabía qué letra adaptarle. Solía llamarla “Huevos revueltos”.

Durante el rodaje de la película Help, se colocó un piano en uno de los estudios en donde se filmaba. McCartney aprovechó para cantar “Scrambled Eggs” acompañándose con el piano. Richard Lester, el director de la película, se irritó mucho al oírla por lo que le dijo a McCartney que terminara de escribir la canción o se llevaría el piano. La paciencia de los otros Beatles también llegó al límite por el empeño que ponía McCartney para progresar en la canción, George Harrison dijo al respecto: “¡Caray, él siempre estaba hablando sobre esta canción. Se podría pensar que era Beethoven o alguien parecido!”.

McCartney afirmó haber compuesto «Yesterday» durante los conciertos de The Beatles en Francia en 1964; sin embargo, la canción no fue lanzada hasta el verano de 1965. Durante ese lapso el grupo publicó dos discos, A Hard Day’s Night y Beatles for Sale, por lo que en cualquiera de ellos pudo haberse incluido la canción «Yesterday». Aunque McCartney no ha comentado nunca lo que pasó, es probable que la razón de este largo retraso pudiera haber sido un hipotético desacuerdo entre McCartney y George Martin respecto al arreglo de la canción, o pudo deberse al rechazo de los otros miembros del grupo.

Lennon comentó que el tema estuvo yendo y viniendo durante algún tiempo:

“La canción estuvo en todos lados varios meses antes de que estuviera lista. Cada vez que nos reuníamos para escribir canciones destinadas a una sesión de grabación, reaparecía una vez más. Ya casi la teníamos lista. Paul escribió casi toda la letra, pero no encontrábamos el título adecuado. La llamamos ‘Huevos revueltos’, a modo de broma entre nosotros. Decidimos que el título solo debía tener una palabra, pero no encontrábamos ninguna adecuada. Una mañana, Paul se levantó, completó la letra y encontró el título. Me entristeció un poco haberla terminado, porque tuvimos muchos momentos divertidos a su costa”.

El 27 de mayo de 1965, McCartney y Asher viajaron a Lisboa para pasar unas vacaciones en AlbufeiraAlgarve, y fue ahí donde McCartney terminó de escribir la letra de la canción.​ Ambos se hospedaban en la casa de Bruce Welch, y McCartney tomó prestada una de sus guitarras acústicas, para así completar el trabajo de «Yesterday».

La canción fue ofrecida como un demo a Chris Farlowe antes de la grabación de The Beatles, pero él la rechazó ya que la consideraba “demasiado suave”.


Estructura musical

McCartney sólo toca una guitarra sajona acompañado por un cuarteto de cuerdas.​ En uno de los primeros usos de The Beatles de los músicos de sesión, «Yesterday» cuenta con dos secciones contrastantes, que difieren en la melodía y el ritmo, produciendo una sensación de separación.

La primera sección (“Yesterday, all my troubles seemed so far away…”) abre con un acorde en Fa mayor, cambia a Mi menor para finalizar en La mayor y finalizar en Re menor.​ En este sentido, el acorde de apertura es un cimbel, como el musicólogo Alan Pollack señala, la tonalidad de inicio (Fa mayor) tiene poco tiempo para establecerse antes de que “tome dirección hacia Re menor”.​ Señala que esta desviación es un recurso de composición utilizado por Lennon y McCartney, que él describe como “gratificación diferida”.

La segunda sección (“Why she had to go I don’t know…”) es, según Pollack, menos sorprendente de lo que parece en el papel del sonido. Comenzando con Mi menor, la progresión armónica se mueve rápido a través de La mayor, Re menor, y (más cercano a Fa mayor) Si bemol, antes de volver a Fa mayor, y al final de este, McCartney se mantiene en Fa mientras que las cuerdas descienden para restablecer la tonalidad introductoria de la primera sección, antes de una breve frase de cierre tarareada.

Pollack dijo que la orquestación era “realmente una inspiración”, la mencionó como un ejemplo del “talento [de Lennon y McCartney] para crear híbridos estilísticos”;​ en particular, elogia “la irónica tensión entre el contenido sensiblero de lo que el cuarteto interpreta y la naturaleza austera y contenida del medio en el que se interpreta”.


Grabación

La canción fue grabada en los estudios de grabación de EMI (después de la grabación de “I’m Down“) el 14 de junio de 1965.​ Hay versiones contradictorias sobre cómo fue esa grabación; la más citada es que McCartney grabó la canción sin la participación de los otros miembros del grupo.

Otras fuentes afirman que en un principio McCartney y los Beatles probaron una gran variedad de instrumentos, incluyendo la batería y un órgano, y que más tarde George Martin los convenció para que McCartney solo tocara una guitarra sajona, e incluir un cuarteto de cuerdas para acompañar a McCartney. De todos modos, ninguno de los otros miembros fue incluido en la grabación final.​ Sin embargo, la canción fue tocada con los demás miembros de la banda en sus conciertos de 1966.

McCartney hizo dos tomas de «Yesterday», el 14 de junio de 1965.​ La toma dos se consideró la mejor y fue utilizada para la masterización final. Un cuarteto de cuerdas fue añadido en la toma dos y esta versión de la canción fue la publicada. La toma uno, que no contiene ninguna mezcla, más tarde fue lanzada en el álbum recopilatorio Anthology 2. En la toma dos se incorporaron dos líneas más que en la primera toma: “There’s a shadow hanging over me”/”I’m not half the man I used to be”.

George Martin dijo:

“Esta [Yesterday] no era en realidad una grabación de The Beatles y yo discutía eso con Brian Epstein: ‘Ya sabes, esa es una canción de Paul… ¿la acreditamos únicamente a Paul McCartney?’ Él dijo ‘No, sea lo que sea nosotros no dividiremos a The Beatles’.”


Personal


Lanzamiento

Aunque McCartney había quedado fascinado con la canción, no pudo convencer a los demás integrantes de la banda para que pudiera aparecer en un álbum, ya que la canción no correspondía con su imagen, considerando que tenía muy poco parecido con las demás canciones del grupo en ese momento. Este parecer fue tan fuerte que Lennon, Harrison y Starr no permitieron que «Yesterday» se publicara como sencillo en el Reino Unido. Esto no evitó que Matt Monro hiciera una versión del tema, siendo este el primero de muchas otras versiones de «Yesterday», las cuales se harían tiempo más tarde. La versión de Monro apareció entre los diez primeros lugares en las listas inglesas, poco después de su lanzamiento en el otoño de 1965.

La influencia de The Beatles sobre su sello discográfico en Estados Unidos, Capitol, no fue tan fuerte como con la británica de EMIParlophone. Un sencillo fue lanzado en los EE. UU., el cual incluía a «Yesterday» y «Act Naturally», un tema que contaba con Starr en la voz principal. El sencillo fue lanzado el 29 de septiembre de 1965, y encabezó las listas durante todo un mes, comenzando el 9 de octubre. La canción permaneció durante un total de 11 semanas en las listas estadounidenses, vendió un millón de copias en cinco semanas. «Yesterday» fue la más tocada en la radio americana durante ocho años consecutivos, por lo que su popularidad era innegable.

El 4 de marzo de 1966, la canción «Yesterday» fue lanzada como un EP en el Reino Unido, junto con “Act Naturally” en el lado A y “You Like Me Too Much” y “It’s Only Love” en el lado B. Hacia el 12 de marzo, el EP había hecho su aparición en las listas. El 26 de marzo de 1966, el EP llegó al número uno, posición en la que permaneció durante dos meses.​ Más tarde ese año, «Yesterday» fue incluida en el álbum de lanzamiento estadounidense Yesterday and Today.

El 8 de marzo de 1976, fue lanzada por Parlophone como un sencillo en el Reino Unido, con “I Should Have Known Better” en el lado B. Apareció en las listas de éxitos el 13 de marzo y permaneció durante siete semanas, pero no alcanzó un número superior al 8. El lanzamiento fue producto de la expiración del contrato de The Beatles con EMI, sello discográfico al que pertenecía Parlophone. EMI lanzó varios sencillos de The Beatles, llevando a 23 de ellos al top 100 de las listas de Reino Unido, incluyendo seis en el top 50.


Recepción

«Yesterday» ha sido reconocida como la canción con más grabaciones en la historia de la música popular, y su entrada en el Libro Guinness de los récords afirma que ha sido versionada más de 3200 veces, por una ecléctica mezcla de artistas como Marianne Faithfull,

En los premios Grammy de 2006, McCartney tocó la canción en vivo como un mashup con la canción de Linkin Park y Jay-Z “Numb/Encore”.


«Yesterday» ganó el Premio Ivor Novello por ‘Mejor Canción de 1965’, y ocupó el segundo lugar por ‘El trabajo con más actuaciones del año’, perdiendo contra otra composición de McCartney, «Michelle». La canción ha recibido una justa aclamación en los últimos tiempos. Así, ocupa el puesto número 13 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

En 1999, la Broadcast Music Incorporated (BMI) colocó a «Yesterday» en la tercera posición en su lista de las canciones más interpretadas del siglo XX en radio y televisión, con aproximadamente siete millones de actuaciones. «Yesterday» fue superada sólo por “Never My Love” de The Association y “You’ve Lost That Lovin’ Feelin’” de Righteous Brothers. En 1999, «Yesterday» fue elegida como la mejor canción del siglo XX en una encuesta realizada por la BBC Radio.

«Yesterday», sin embargo, también ha sido criticada por ser mundana y empalagosa. Bob Dylan tuvo una marcada aversión por la canción, afirmando que “si usted entra en la Biblioteca del Congreso, puede encontrar algo mucho mejor que eso. Hay millones de canciones como ‘Yesterday’ y ‘Michelle’ escritas en Tin Pan Alley‘”. Irónicamente, en última instancia, Dylan grabó su propia versión de «Yesterday» cuatro años más tarde, pero esta versión nunca fue publicada.

En 1980 Lennon explicó que a menudo se le daba erróneamente el mérito de haber escrito la canción.

“Voy a los restaurantes y los grupos siempre están interpretando «Yesterday». Inclusive, Yoko y yo autografiamos el violín de un tipo en España, después de que él tocara «Yesterday». No podía entender [el tipo] que yo no escribí la canción. Pero supongo que él no hubiera podido ir de mesa en mesa tocando ‘I Am The Walrus‘.”


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Louis Armstrong – What A Wonderful World

 What a Wonderful World ” es una balada pop escrita por Bob Thiele (como “George Douglas”) y George David Weiss . Fue grabado por primera vez por Louis Armstrong y lanzado en 1967 como un sencillo, que encabezó las listas de éxitos en el Reino Unido. Thiele y Weiss fueron prominentes en el mundo de la música (Thiele como productor y Weiss como compositor / intérprete). La grabación de Armstrong fue incluida en el Grammy Hall of Fame en 1999. La publicación de esta canción está controlada por Memory Lane Music Group, Carlin Music Corp. y BMG Rights Management .

Una fuente afirma que la canción se le ofreció por primera vez a Tony Bennett , quien la rechazó, aunque el biógrafo de Louis Armstrong, Ricky Riccardi, niega esta afirmación. George Weiss relata en el libro Off the Record: Songwriters on Songwriting de Graham Nash que escribió la canción específicamente para Louis Armstrong. Weiss se inspiró en la capacidad de Armstrong para unir a personas de diferentes razas.

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Debido a que estaba tocando en el Hotel Tropicana , Armstrong grabó la canción en Las Vegas en el estudio United Recording de Bill Porter . La sesión estaba programada para seguir el espectáculo de medianoche de Armstrong, y para las 2 de la mañana los músicos se acomodaron y la cinta comenzó a rodar. El arreglador Artie Butler estaba allí con los compositores Weiss y Theile, y Armstrong estaba en el estudio cantando con la orquesta. Armstrong había firmado recientemente con ABC Records , y el presidente de ABC, Larry Newton, apareció para fotografiar a Armstrong. Newton quería una canción pop oscilante como ” ¡Hola, Dolly! “, Un gran éxito para Armstrong cuando estaba con Kapp Records, así que cuando Newton escuchó el lento ritmo de “What a Wonderful World”, trató de detener la sesión. Newton fue excluido del estudio por su interrupción, pero surgió un segundo problema: los silbidos cercanos del tren de carga interrumpieron la sesión dos veces, lo que obligó a que la grabación comenzara de nuevo. Armstrong sacudió la cabeza y se rió de las distracciones, manteniendo la compostura. La sesión terminó alrededor de las 6 a.m., yendo más de lo esperado. Para asegurarse de que a los miembros de la orquesta se les pagara extra por sus horas extras, Armstrong aceptó solo $ 250 en la escala del sindicato de músicos por su trabajo. 

La canción no fue inicialmente un éxito en los Estados Unidos, donde vendió menos de 1,000 copias porque a Newton no le gustó o promocionó, pero fue un gran éxito en el Reino Unido, alcanzando el número uno en la lista de singles del Reino Unido En los Estados Unidos, la canción alcanzó el número 16 en el Billboard Bubbling Under Chart. También fue el single más vendido de 1968 en el Reino Unido, donde se encontraba entre los últimos singles pop emitidos por HMV Records antes de convertirse en un sello exclusivo de música clásica. La canción convirtió a Armstrong en el hombre más viejo en encabezar la lista de singles del Reino Unido El récord de Armstrong se rompió en 2009 cuando una nueva versión de ” Islands in the Stream” grabado para Comic Relief, que incluía a Tom Jones, de 68 años, alcanzó el número uno en ese cuadro. Tony Bennett grabó varias veces” What A Wonderful World “, como en 2003 con kd lang , rindiendo homenaje a El amigo de Bennett, Armstrong.

La canción se convirtió gradualmente en algo estándar y alcanzó un nuevo nivel de popularidad. En 1978, apareció en las escenas finales de la radio de la BBC, The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy , y se repitió para la adaptación televisiva de la serie de la BBC en 1981 . En 1988, la grabación de Armstrong apareció en la película Good Morning, Vietnam (a pesar de que la película se estableció en 1965, dos años antes de que se grabara) y fue relanzada como un single, alcanzando el número 32 en la lista Billboard Hot 100 en febrero 1988. El single figura en el número uno para la quincena que termina el 27 de junio de 1988 en la lista de Australia . También es la canción de cierre de la película de 1995 12 Monkeys .

En 2001, los raperos Ghostface Killah , Raekwon y The Alchemist lanzaron “The Forest”, una canción que comienza con tres líneas de letras adaptadas de “What a Wonderful World”, modificadas para convertirse en “una invitación para drogarse” con la marihuana. Los raperos y su compañía discográfica, Sony Music Entertainment, fueron demandados por los propietarios de “What a Wonderful World”, Abilene Music. La demanda fue desestimada después de que el juez Gerard E. Lynch determinó que la letra alterada era una parodia, transformando el mensaje original edificante en uno nuevo con una naturaleza más oscura. 

Para abril de 2014, la grabación de Louis Armstrong en 1967 había vendido 2,173,000 descargas en los Estados Unidos después de su lanzamiento digital. 


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